THE BEATLES
The Quarrymen empezó a tocar en diversos locales de Liverpool, momento en el que se les unió el bajista Stuart Sutcliffe. Ya por entonces resultaba evidente la necesidad de incorporar a un batería. El nombre del grupo iría sufriendo nuevas variaciones, desde Johnny and the Moondogs hasta –a raíz de la moda de poner nombres de animales a los grupos musicales y jugando con la denominación de su estilo de música (Beat)– The Silver Beatles y The Beatles, que a la postre resultaría el definitivo.Por último incorporaron a un batería, Peter Best, y consiguieron un concierto para tocar en Hamburgo, en un local de dudosa fama llamado Kaiserkeller. Su primera aventura alemana terminó prematuramente con la expulsión de Harrison del país debido a su minoría de edad y la posterior expulsión de McCartney y Best por gamberrismo. En 1961 volverían a Alemania, para regresar de nuevo al Reino Unido sin pena ni gloria. Best dejó el grupo por profundas desavenencias con el resto de sus miembros y fue sustituido por Ringo Starr (Richard Starkey). Poco después, Sutcliffe moría en Alemania víctima de un derrame cerebral. La formación de The Beatles quedó definitivamente consolidada con John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr.
En 1962, tras escucharles en una actuación, el productor Brian Epstein, entusiasmado, los contrató para grabar un sencillo. Este primer trabajo discográfico se tituló Love me do y logró situarse en las listas de éxitos del Reino Unido. Ya en 1963,Please, please me y poco después From me to you yShe loves you accederían de nuevo a puestos de honor en las listas británicas.
Ese año puede ser considerado el del nacimiento de la «beatlemanía», un fenómeno de idolatría hacia el grupo cuyo máximo exponente eran los accesos de histeria que el público femenino sufría en los conciertos de la formación. La «beatlemanía» se extendió un año más tarde a Estados Unidos, donde temas como Love me do, She loves you o I want to hold your hand alcanzaron el primer puesto en las listas de éxitos.
Simultáneamente, The Beatles rodaron diversas películas aprovechando su popularidad, entre las que cabe destacar ¡Qué noche la de aquel día! (1964) y El submarino amarillo (1968). El grupo siguió encadenando discos a una media de dos anuales, la mayoría de cuyas canciones fueron escritas por ellos mismos, lo que da idea de su extraordinaria fecundidad.
En 1967 saldría al mercado su obra más revolucionaria, Sgt. Pepper’s lonely hearts club band, un elepé que marcaría el nacimiento de la música psicodélica y supuso un rotundo éxito mundial para el grupo británico, que alcanzó el número uno simultáneamente en las listas británicas y estadounidenses. Tras la publicación de Let it be, en 1970, las desavenencias en el seno de la formación acabaron con la disolución de la misma y cada miembro continuó su carrera musical en solitario, sin que fructificase ninguno de los intentos de volver a reunirlos. La muerte de John Lennon en 1980 a manos de un perturbado tuvo un gran impacto en todo el mundo, y terminó con cualquier sueño de sus fans en este sentido.
La influencia de la obra de The Beatles a lo largo de las décadas subsiguientes ha sido inmensa, hasta el punto de dejarse sentir poderosamente en el fenómeno musical denominado brit pop, uno de los más significativos de los años noventa. Al margen de su indudable importancia meramente artística, The Beatles quedaron por siempre como el símbolo de un estilo de vida que entroncó perfectamente con las profundas inquietudes juveniles de la década de 1960.
MIEMBROS
MIEMBROS
- John Lennon: guitarra rítmica, vocalista
- Paul McCartney: bajo, vocalista
- George Harrison: guitarra solista, vocalista
- Ringo Starr: batería, vocalista
Álbumes de estudio
- 1963: Please Please Me
- 1963: With the Beatles
- 1964: A Hard Day's Night
- 1964: Beatles for Sale
- 1965: Help!
- 1965: Rubber Soul
- 1966: Revolver
- 1967: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
- 1967: Magical Mystery Tour (doble EP)
- 1968: The Beatles o 'White Album'.
- 1969: Yellow Submarine
- 1969: Abbey Road
- 1970: Let It Be
MEJORES CANCIONES DE LOS BEATLES
10 - While my guitar gently weeps
9 - Come together
8 - Let it be
7 - Hey Jude
6 - Something
5 - In my life
4 - Yesterday
3 - Strawberry fields forever
2 - I want to hold your hand
1 - A day in the life
THE ROLLING STONES
Formado en 1962, a los Rolling Stones se les ha presentado siempre como los rivales históricos de The Beatles. Dentro de esta comparación, los Stones representaron la corriente más agresiva de la música rock, aun cuando alcanzaron el estrellato de mano de la canción I wanna be your man, compuesta por los beatles John Lennon y Paul McCartney.
De hecho, hasta 1965 los Stones no empezaron a publicar sus propios temas, como (I can’t get no) Satisfaction o Going to a gogo, habitualmente compuestas por el cantante Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards, mucho más infuidos por elrhythm & blues que por el propio rock & roll que marcó al grupo de Liverpool. En 1969, Jones falleció durante el transcurso de una fiesta al caer en una piscina tras haber ingerido gran cantidad de alcohol; su lugar en el grupo fue ocupado en un principio por el guitarrista Mick Taylor. En 1976, Taylor abandonó la formación y fue reemplazado por Ron Wood.
Aparte de su faceta musical, Mick Jagger ha realizado dos películas como actor, Performance (1970), filme de estética psicodélica en el que el propio Jagger muestra el camaleónico estilo de su íntimo amigo David Bowie, y Freejack (1992). Junto al inmenso reconocimiento popular de que disfrutan a nivel mundial, los Stones recibieron en 1986 el Grammy por su carrera musical y en 1989 fueron incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame.
En 1993, Keith Richards pasó a formar parte del Hall of Fame de compositores de canciones y en 1994 la cadena estadounidense MTV otorgó al grupo su premio en reconocimiento a su carrera artística. Además, el 10 de noviembre de 1994 los Rolling Stones se convirtieron en el primer grupo de rock & roll que retransmitieron un concierto en directo a través de Internet.
MIEMBROS
- Mick Jagger: voz, armónica, piano, percusión, guitarra, batería.
- Keith Richards: guitarra, voz, bajo, piano, percusión.
- Charlie Watts: batería.
- Bill Wyman: bajo, Piano.
- Brian Jones: bajo, guitarra, percusión, piano
- Ian Stewart: piano, teclado, percusión (integrante no oficial).
Segunda formación — (1969-1975) — (6 años)
- Mick Jagger.
- Keith Richards.
- Charlie Watts.
- Bill Wyman.
- Mick Taylor: guitarra, voz.
- Ian Stewart.
Tercera formación — (1975-1985) — (10 años)
- Mick Jagger.
- Keith Richards.
- Charlie Watts.
- Bill Wyman.
- Ron Wood: guitarra, bajo, armónica, saxofón, pedal steel guitar, lap steel guitar y batería.
- Ian Stewart
Cuarta formación — (1985-1993) — (8 años)
- Mick Jagger.
- Keith Richards.
- Charlie Watts.
- Bill Wyman.
- Ron Wood.
Quinta formación — (desde 1993) — (18 años)
10. Street fighting man
9. Jumpin' Jack Flash
8. Honky Tonk Women
7. You cant always get what you want
6. Sympathy for the devil
5. Paint It Black
4. Brown Sugar
3. (I Can't Get No) Satisfaction
2. Angie
1. Gimme Shelter
- Mick Jagger.
- Keith Richards.
- Charlie Watts.
- Ron Wood.
- Darryl Jones: bajo, piano (integrante no oficial).
Albumes de Estudio
- 16 de abril de 1964: The Rolling Stones
- 17 de octubre de 1964: 12 x 5
- 13 de febrero de 1965: The Rolling Stones, Now!
- 30 de julio de 1965: Out of Our Heads
- 4 de diciembre de 1965: December's Children (And Everybody's)
- 20 de junio de 1966: Aftermath
- 11 de febrero de 1967: Between the Buttons
- 8 de diciembre de 1967: Their Satanic Majesties Request
- 6 de diciembre de 1968: Beggars Banquet
- 5 de diciembre de 1969: Let It Bleed
- 23 de abril de 1971: Sticky Fingers
- 12 de mayo de 1972: Exile on Main St.
- 31 de agosto de 1973: Goats Head Soup
- 18 de octubre de 1974: It's Only Rock'n'Roll
- 23 de abril de 1976: Black and Blue
- 9 de junio de 1978: Some Girls
- 20 de junio de 1980: Emotional Rescue
- 24 de agosto de 1981: Tattoo You
- 7 de noviembre de 1983: Undercover
- 24 de marzo de 1986: Dirty Work
- 29 de agosto de 1989: Steel Wheels
- 11 de julio de 1994: Voodoo Lounge
- 29 de septiembre de 1997: Bridges to Babylon
- 5 de septiembre de 2005: A Bigger Bang
MEJORES CANCIONES DE LOS ROLLING STONES
9. Jumpin' Jack Flash
8. Honky Tonk Women
7. You cant always get what you want
6. Sympathy for the devil
5. Paint It Black
4. Brown Sugar
3. (I Can't Get No) Satisfaction
2. Angie
1. Gimme Shelter
THE BEACH BOYS
El grupo de surf rock mas popular de los Estados Unidos, los Beach Boys se convirtió en 1966 en el grupo Pop mas importante compitiendo con los Beatles, manteniendo tanto al público como a la critica atentos a su trabajo.
El grupo surgió en 1961 con el éxito apenas regional "Surfin'", los integrantes eran los 3 hermanos Wilson, Brian, Dennis y Carl, su primo en primer grado Mike Love y Al Jardine, que era compañero de estudios de Brian en la preparatoria, y juntos elaboraron las armonías más dificiles y maravillosas que se habían escuchado hasta el momento en un grupo musical. Con el talento de Brian y su estupenda habilidad dentro del estudio que crecia a pasos agigantados Los Beach Boys demostraron ser uno de los grupos mejor producidos durante los 60s llegando a su mejor momento en 1966 al lanzar unos de los albums más aclamados por la crítica "Pet Sounds" y el sencillo número uno "Good Vibrations".
Paul McCartney dijo que fue "Pet Sounds" el album que les inspiro a él y a John Lennon a escribir Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, que es considerado por la crítica mundial como el mejor album del siglo seguido muy de cerca de "Pet Sounds". Paul McCartney ha dicho públicamente que su canción preferida es "God Only Knows"
Y fue éste LP de los Beatles, el que, sumado al abuso de drogas junto con la obsesión de Brian de hacer un album magistral que estuviera a la altura de Sargents Pepper's, lo que lo llevó a una crisis nerviosa en 1966, hecho que marcó la salida de Brian como miembro en los tours de los Beach Boys, y le dió la bienvenida a un músico productor excelente llamado Bruce Johnston, quien será siempre llamado el sexto beach boy.
Durante los años 70's, Los Beach Boys mantuvieron su status de grupo musical de primera categoria con Brian más en el estudio, componiendo y pruducienco pero menos presente en las giras, donde aparecía apenas esporádicamente. Fue durante los 70's que apareció el album "Sunflower" donde cada miembro reveló su propio talento, que durante los 60s había estado en poco en la sombra, fue en esta década que Carl se convirtió en un sólido y distintivo productor y Mike, que tomó el lugar de Brian como lider de la banda y se mantuvo como el foco visual al ser el representante del grupo en los shows en vivo. Por su parte Dennis desarrolló su propió talento como escritor musical, y en los shows seguia siendo el más carismático del grupo.
Los origenes del grupo están en los suburbios de Los Angeles, en Hawthorne, Calif. al sur de los Angeles muy cerca del oceano pacífico. Los tres hijos Murry Wilson, un compositor de medio tiempo frustrado y en ocasiones un padre abusivo, Brian, Dennis y Carl crecieron a muy pocos kilometros del mar, aunque solo Dennis surfeaba Los 3 hermanos ya armonizaban juntos siendo muy jovenes, incitados por la fascinación de Brian por los vocales de los 50's, como los Four Freshmen y los Hi-Los. Muy a menudo se unía a ellos su primo Mike Love, y el grupo se completó al llegar un amigo de la secundaria y compañero del equipo de Football americano, Al Jardine. La idea sobre escribir músicas que hablaran de mar y playas provino de Dennis, que una vez llegó diciendo al grupo que deberían componer una música acerca de surfear. Brian sin embargo, ha declarado en entrevistas que le teme al agua.
Los Wilson, con la ayuda de Murry Wilson, el padre de los 3 hermanos, rentaron los instrumentos musicales (con Brian en el bajo, Carl en la guitarra, y Dennis en la bateria) y rentaron también el tiempo en el estudio pra grabar "Surfin'" el nuevo número escrito por Brian y Mike, este sencillo fue lanzado en 1961 por la disquera Candiz con el nombre de"The Pendletones" (la marca de camisa que estaba de moda en la época). Estuvo a cargo de la negociación con la disquera Murray, el padre, quien se convirtió en el manager del grupo. Antes de que el material fuera lanzado para Capitol, Al Jardine dejó la banda para ir a estudiar odontología en una universidad del midwest. En ese tiempo que estuvo fuera de los Beach Boys fué reemplazado por un amigo de Carl, David Marks, quien es el que aparece en las portadas de los primeros discos "Surfin' Safari" y "Surfer Girl".
Y fue éste LP de los Beatles, el que, sumado al abuso de drogas junto con la obsesión de Brian de hacer un album magistral que estuviera a la altura de Sargents Pepper's, lo que lo llevó a una crisis nerviosa en 1966, hecho que marcó la salida de Brian como miembro en los tours de los Beach Boys, y le dió la bienvenida a un músico productor excelente llamado Bruce Johnston, quien será siempre llamado el sexto beach boy.
Durante los años 70's, Los Beach Boys mantuvieron su status de grupo musical de primera categoria con Brian más en el estudio, componiendo y pruducienco pero menos presente en las giras, donde aparecía apenas esporádicamente. Fue durante los 70's que apareció el album "Sunflower" donde cada miembro reveló su propio talento, que durante los 60s había estado en poco en la sombra, fue en esta década que Carl se convirtió en un sólido y distintivo productor y Mike, que tomó el lugar de Brian como lider de la banda y se mantuvo como el foco visual al ser el representante del grupo en los shows en vivo. Por su parte Dennis desarrolló su propió talento como escritor musical, y en los shows seguia siendo el más carismático del grupo.
Los origenes del grupo están en los suburbios de Los Angeles, en Hawthorne, Calif. al sur de los Angeles muy cerca del oceano pacífico. Los tres hijos Murry Wilson, un compositor de medio tiempo frustrado y en ocasiones un padre abusivo, Brian, Dennis y Carl crecieron a muy pocos kilometros del mar, aunque solo Dennis surfeaba Los 3 hermanos ya armonizaban juntos siendo muy jovenes, incitados por la fascinación de Brian por los vocales de los 50's, como los Four Freshmen y los Hi-Los. Muy a menudo se unía a ellos su primo Mike Love, y el grupo se completó al llegar un amigo de la secundaria y compañero del equipo de Football americano, Al Jardine. La idea sobre escribir músicas que hablaran de mar y playas provino de Dennis, que una vez llegó diciendo al grupo que deberían componer una música acerca de surfear. Brian sin embargo, ha declarado en entrevistas que le teme al agua.
Los Wilson, con la ayuda de Murry Wilson, el padre de los 3 hermanos, rentaron los instrumentos musicales (con Brian en el bajo, Carl en la guitarra, y Dennis en la bateria) y rentaron también el tiempo en el estudio pra grabar "Surfin'" el nuevo número escrito por Brian y Mike, este sencillo fue lanzado en 1961 por la disquera Candiz con el nombre de"The Pendletones" (la marca de camisa que estaba de moda en la época). Estuvo a cargo de la negociación con la disquera Murray, el padre, quien se convirtió en el manager del grupo. Antes de que el material fuera lanzado para Capitol, Al Jardine dejó la banda para ir a estudiar odontología en una universidad del midwest. En ese tiempo que estuvo fuera de los Beach Boys fué reemplazado por un amigo de Carl, David Marks, quien es el que aparece en las portadas de los primeros discos "Surfin' Safari" y "Surfer Girl".
A finales de 1963, los Beach Boys habían grabado 3 LPs, y habían tenido muchos éxitos individuales que entraron a las "Top 10", y el grupo había comenzado a hacer giras incesantemente. Por otra parte, Brian comenzó a crecer como compositor y productor, lo que se percibió en el tercer albúm del grupo "Surfer Girl", donde aparece, por primera vez, el nombre de Brian como productor del disco.
Aunque predominan en el album las canciones de corte surf, dos canciones se distinguian del resto "Catch a Wave" y "In my Room", mostrando el crecimiento a pasos agigantados de Brian como compositor, productor y en las armonias musicales, un hecho sorprendente tomando en consideración, que el grupo llevaba apenas 2 años. La intensa atención de Brian a los sonidos de Phil Spector pagó sus dividendos y mostró su profundo conocimiento de las profundidades musicales.
En 1964, "I Get Around", fue el primer sencillo en alcanzar el número uno en la carrera de los Beach Boys, llevándolos a la cima de la popularidad, El LP "Concert" se mantuvo 4 semanas en la lista de "album charts". El grupo tambien hizo giras promocionales en Europa, pero las presiones y prisas fueron demasiado para Brian, al final de ese mismo año, el decidió renunciar a las girar para concentrarse en la producción en el estudio. Glen Campbell se unió brevemente al grupo, y luego fué Bruce Johnston quien tomó el lugar de Brian permanententemente.
MIEMBROS
Aunque predominan en el album las canciones de corte surf, dos canciones se distinguian del resto "Catch a Wave" y "In my Room", mostrando el crecimiento a pasos agigantados de Brian como compositor, productor y en las armonias musicales, un hecho sorprendente tomando en consideración, que el grupo llevaba apenas 2 años. La intensa atención de Brian a los sonidos de Phil Spector pagó sus dividendos y mostró su profundo conocimiento de las profundidades musicales.
En 1964, "I Get Around", fue el primer sencillo en alcanzar el número uno en la carrera de los Beach Boys, llevándolos a la cima de la popularidad, El LP "Concert" se mantuvo 4 semanas en la lista de "album charts". El grupo tambien hizo giras promocionales en Europa, pero las presiones y prisas fueron demasiado para Brian, al final de ese mismo año, el decidió renunciar a las girar para concentrarse en la producción en el estudio. Glen Campbell se unió brevemente al grupo, y luego fué Bruce Johnston quien tomó el lugar de Brian permanententemente.
MIEMBROS
- Mike Love : Voz, saxofón,electroteremín, teclados y concertina
- Bruce Johnston: Voz, bajo eléctrico, piano, teclados y órgano Hammond
- Al Jardine :Voz, guitarra eléctrica, bajo sexto, guitarra acústica,banjo y contrabajo
- Brian Wilson: Voz, bajo eléctrico,guitarra, piano, batería,electroteremín y teclados
- David Marks: Voz y guitarra eléctrica
Albumes de Estudio
- 1962: Surfin' Safari
- 1963: Surfin' USA
- 1963: Surfer Girl
- 1963: Little Deuce Coupe
- 1964: Shut Down Volume 2
- 1964: All Summer Long
- 1964: The Beach Boys' Christmas Album
- 1965: The Beach Boys Today!
- 1965: Summer Days (and Summer Nights!!)
- 1965: Beach Boys' Party!
- 1966: Pet Sounds
- 1967: Smiley Smile
- 1967: Wild Honey
- 1968: Friends
- 1969: 20/20
- 1970: Sunflower
- 1971: Surf's Up
- 1972: Carl and the Passions - "So Tough"
- 1973: Holland
- 1976: 15 Big Ones
- 1977: Love You
- 1978: M.I.U. Album
- 1979: L.A. (Light Album)
- 1980: Keepin' the Summer Alive
- 1985: THE BEACH BOYS
- 1989: Still Cruisin'
- 1992: Summer in Paradise
- 1996: Stars and Stripes Vol. 1
- 2011: The SMiLE Sessions
- 2012: That's Why God Made the Radio
MEJORES CANCIONES DE LOS BEACH BOYS
10. "Surf's up"
9. "Don't worry, baby"
8. "In my room"
7. "California girls"
6. "Surfin' USA"
5. "Caroline, no"
4. "Wouldn't it be nice"
3. "Sloop John B"
2. "God only knows"
1. "Good vibrations"
THE WHO
A comienzos de la siguiente década, ambos se unieron a una banda llamada The Detours, un conjunto liderado por el cantante Colin Dawson en el que también se encontraba un muchacho llamado Roger Daltrey, quien tocaba la guitarra líder. Daltrey advirtió la capacidad de Entwistle en los Scorpios e invitó a John a unirse al grupo como bajista. John recomendaría a su amigo Pete como guitarrista rítmico. Poco después de incorporarse Townshend y Entwistle, Dawson dejaría el grupo, reemplazándolo en tareas de vocalista Daltrey. En ese momento, Pete pasaría a ocupar el puesto de guitarra líder.
En febrero de 1964, los Detours, ante la presencia de otro conjunto con el mismo nombre, deciden llamarse de Who bajo la sugerencia de un compañero de la escuela de arte de Townshend llamado Richard Barnes.
En marzo el batería Doug Sandom abandona su puesto incorporándose Keith Moon, un amante de la música surf y los Beach Boys, que estaba tocando su música favorita en un grupo llamado The Beachcombers.
En el mes de diciembre de 1965 publicarían su primer Lp, “The Who sings my generation” (1965), un álbum en el cual ponían de manifiesto su tendencia por el R&B y las rítmicas píldoras mod-pop, estilos enfatizados por su virtuosismo y pujanza instrumental y vocal. Su primera obra maestra llegaría con el poppy “The Who Sell Out” (1967), un extraordinario disco conceptual con original portada en el que destacó el exitoso single psicodélico I Can See For Miles.
En febrero de 1964, los Detours, ante la presencia de otro conjunto con el mismo nombre, deciden llamarse de Who bajo la sugerencia de un compañero de la escuela de arte de Townshend llamado Richard Barnes.
En marzo el batería Doug Sandom abandona su puesto incorporándose Keith Moon, un amante de la música surf y los Beach Boys, que estaba tocando su música favorita en un grupo llamado The Beachcombers.
En el mes de diciembre de 1965 publicarían su primer Lp, “The Who sings my generation” (1965), un álbum en el cual ponían de manifiesto su tendencia por el R&B y las rítmicas píldoras mod-pop, estilos enfatizados por su virtuosismo y pujanza instrumental y vocal. Su primera obra maestra llegaría con el poppy “The Who Sell Out” (1967), un extraordinario disco conceptual con original portada en el que destacó el exitoso single psicodélico I Can See For Miles.
El siguiente trabajo en estudio y uno de los más importantes y esenciales de toda su carrera fue “Tommy” (1969), una ópera-rock sobre un niño ciego, sordo y mudo experto en pinball que terminaría convirtiéndose en una especie de mesía. El disco, con “Pinball Wizard” como single estrella, sería un auténtico bombazo que les haría girar interminablemente exhibiendo sus canciones por casi todo el mundo. También se grabó una película dirigida por Ken Russell y se estrenó una obra musical en Broadway. Los Who retomarían su espíritu conceptual con “Quadrophenia” (1973), una ópera rock centrada en las vivencias y preocupaciones existenciales de un joven mod llamado Jimmy. El álbum supuso otro hito en su trayectoria, además de la filmación de otra popular película dirigida por Franc Roddan en el año 1979.El 7 de septiembre de 1978, el carismático batería Keith Moon fallecería a causa de una sobredosis de somníferos, dejando a los Who sin una pieza clave en su formación, ya que a pesar del reclutamiento de otro experto músico amigo de la banda, el ex Small Faces y Faces Kenny Jones, el grupo no volvería jamás a grabar discos comparables a sus pretéritas obras.
MIEMBROS
MIEMBROS
- Roger Daltrey: Voz
- Pete Townshend: Guitarra
- Keith Moon: Bateria
- John Entwistle: Bajista
Albumes de Estudio
- My Generation (1965)
- A Quick One (1966)
- The Who Sell Out (1967)
- Tommy (1969)
- Who's Next (1971)
- Quadrophenia (1973)
- The Who By Numbers (1975)
- Who Are You (1978)
- Face Dances (1981)
- It's Hard (1982)
- Endless Wire (2006)
MEJORES CANCIONES DE THE WHO
9 - Happy jack
8 - Happy jack
7 - Magic bus
6 - The Seeker
5 - Behind the blue eyes
4 - Pinball wizard
3 - Won't get fooled again
2 - Baba o'riley
1 - My generation
Lynyrd Skynyrd
Lynyrd Skynyrd entró en el «Rock and Roll Hall of Fame» el 13 de marzo de 2006. Fue uno de los grupos de rock sureño de los 70 con mayor éxito comercial y aclamación por parte de la crítica. Su distintivo sonido, con tres guitarras principales, convirtió sus canciones «Freebird» y «Sweet Home Alabama» en himnos estadounidenses y estampas habituales de la radio FM. Los artistas optaron al premio 25 años después de la publicación de su primer álbum. Los miembros galardonados fueron: Ronnie Van Zant, Gary Rossington, Allen Collins, Leon Wilkeson, Bob Burns, Billy Powell, Ed King, Artimus Pyle y Steve Gaines. Entre sus composiciones figuran canciones como «Sweet Home Alabama» que en un principio, era una respuesta a la canción «Alabama» de Neil Young, que criticaba el quehacer sureño.
El grupo, en un principio se llamó My Backyard, formada en Jacksonville, Florida, en el verano de 1964 por un grupo de amigos adolescentes Ronnie Van Zant (vocalista), Allen Collins (guitarra), Gary Rossington (guitarra), Larry Junstrom (bajo) y Bob Burns (batería). Sus influecias musicales eran grupos comoBRITISH INVASION, Free, The Yardbirds, y The Beatles, así como también el blues sureño y la música country y occidental.
Durante los 60, el grupo cambió de nombre varias veces (más notable The Noble Five and One Percent) mientras tocaban en clubes y bailes de Jacksonville. En 1968 ganaron un concurso local de Batallas de Bandas, usando el dinero del premio para grabar las canciones «Need All My Friends» y «Michelle» y así lanzar su primer sencillo. También ganaron ser la apertura en varios espectáculos del grupo Strawberry Alarm Clock.
En 1970, el grupo empezó a ensayar constantemente en el «Hell House», una granja aislada en Green Cove Springs, Florida, una pequeña ciudad en Clay County, Florida, en las afueras de Jacksonville. Por esas fechas, un roadie, Billy Powell ingresó en el grupo como teclista. También el nombre final del grupo hizo su primera aparición, un burlón tributo al entrenador de gimnasia de la secundaria Robert E. Lee (Jacksonville), Leonard Skinner. Skinner reforzó el reglamento de la escuela refiriéndose a la forma de vestir de los varones, el cual no dejaba que tuvieran pelo ni patillas largas.
Durante los 60, el grupo cambió de nombre varias veces (más notable The Noble Five and One Percent) mientras tocaban en clubes y bailes de Jacksonville. En 1968 ganaron un concurso local de Batallas de Bandas, usando el dinero del premio para grabar las canciones «Need All My Friends» y «Michelle» y así lanzar su primer sencillo. También ganaron ser la apertura en varios espectáculos del grupo Strawberry Alarm Clock.
En 1970, el grupo empezó a ensayar constantemente en el «Hell House», una granja aislada en Green Cove Springs, Florida, una pequeña ciudad en Clay County, Florida, en las afueras de Jacksonville. Por esas fechas, un roadie, Billy Powell ingresó en el grupo como teclista. También el nombre final del grupo hizo su primera aparición, un burlón tributo al entrenador de gimnasia de la secundaria Robert E. Lee (Jacksonville), Leonard Skinner. Skinner reforzó el reglamento de la escuela refiriéndose a la forma de vestir de los varones, el cual no dejaba que tuvieran pelo ni patillas largas.
Algunos de los integrantes del grupo fueron expulsados de la escuela por tener su pelo demasiado largo. Después de ser castigados varias veces, el grupo tocó en un show, todavía conocidos como «One Percent», pero Van Zant bromeando anunció desde el escenario que desde ese momento serían conocidos como «Leonard Skinner». El nombre siguió modificándose primero «Lynard Skynard» y finalmente «Lynyrd Skynyrd».
El grupo se separó cuando tuvieron un accidente de avión y murieron el cantante Ronnie Van Zant, el guitarrista Steve Gaines, su hermana y también corista de la banda Cassie Gaines y el manager, Dan Kilpatrick. En 1984, el hermano menor del cantante, Johnny Van Zant, volvió a reunir al grupo y siguen tocando hasta ahora, con un estilo algo más cercano al hard rock pero manteniendo la esencia e identidad sureña del grupo original.
El grupo se separó cuando tuvieron un accidente de avión y murieron el cantante Ronnie Van Zant, el guitarrista Steve Gaines, su hermana y también corista de la banda Cassie Gaines y el manager, Dan Kilpatrick. En 1984, el hermano menor del cantante, Johnny Van Zant, volvió a reunir al grupo y siguen tocando hasta ahora, con un estilo algo más cercano al hard rock pero manteniendo la esencia e identidad sureña del grupo original.
MIEMBROS
- Gary Rossington – guitarra (1964–1977, 1987–presente)
- Rickey Medlocke – guitarra, coros (1996–presente), batería (1970-1971)
- Johnny Van Zant – cantante (1987–presente)
- Michael Cartellone – batería (1999–presente)
- Mark Matejka – guitarra, coros (2006–presente)
- Robert Kearns – bajo, coros (2009–presente)
- Peter Keys – teclados (2009–presente)
Albumes de Estudio
- 1973 (Pronounced 'lĕh-'nérd 'skin-'nérd)
- 1974 Second Helping
- 1975 Nuthin' Fancy
- 1976 Gimme Back My Bullets
- 1976 One More From The Road (Live)
- 1977 Street Survivors
- 1991 Lynyrd Skynyrd 1991
- 1993 The Last Rebel
- 1997 Twenty
- 1999 Edge of Forever
- 2003 Vicious Cycle
- 2009 God & Guns
- 2012 Last Of A Dyin' Breed
MEJORES CANCIONES DE LYNYRD SKYNYRD
9 - Mississippi Blood
8 - Homegrown
7 - One Day At A Time
6 - Tuesday's Gone
5 - Last Of A Dyin' Breed
4 - Still Unbroken
3 - Simple Man
2 - Freen Bird
1 - Sweet Home Alabama
THE KINKS
The Kinks fue un grupo musical británico formado en Londres en los años 60 por los hermanos Ray y Dave Davies. Desde sus primeros tiempos estaban muy influenciados por el Rock and roll y el Rhythm & blues estadounidenses.
En 1964 consiguieron su primer Nº 1 en las listas británicas con “You Really Got Me”, su canción más emblemática, dándose a conocer como parte de la Invasión Británica en Estados Unidos (Nº 7 en Billboard) Esta canción ha permanecido como una de las más significativas de la década de los 60 y su sonido es considerado precursor del Hard rock. Otros éxitos de esta época fueron: la impactante «All The Day And All The Night» o «Louie Louie»
.
La evolución como compositor de Ray Davies, llevó al grupo a una segunda época con un sonido mucho más británico y Pop, que les proporcionó éxitos como “Sunny Afternoon” o “Waterloo Sunset”.
Quizá su álbum más emblemático sea ‘Arthur (Or The Decline and Fall of British Empire)’ de 1968, un disco conceptual que incluye su éxito «Victoria».
Sus trabajos en estos años han ejercido gran influencia en movimientos tan distintos como el Glam Rock, el Punk, la New Wave o el Britpop, a pesar de que, en términos de popularidad y apoyo de su discográfica, siempre estuvieron a la sombra de The Beatles, The Rolling Stones o The Who.
En 1970 y tras un período de menor presencia en las listas, obtuvieron su último nº 1 en el Reino Unido con el single “Lola”. Sus problemas con la discográfica Pye les llevó a firmar por RCA, iniciando una fase caracterizada por el rock con tintes teatrales. Debido a la falta de apoyo promocional, el grupo pasó a un segundo plano, sobre todo en su país, lo que hace que se trasladen a los Estados Unidos. Allí firmaron con Arista, discográfica con la que disfrutaron de un nuevo periodo de éxito en el cambio de década y los primeros años 80, éxito que no se repitió hasta su separación en 1997.
La incipiente agrupación contrató a dos mánager, Grenville Collins y Robert Wace, y más adelante el anteriormente cantante de pop Larry Page, que se convirtió en el tercero. El productor estadounidense Shel Talmy comenzó a trabajar con la banda y se contrató al promotor de The Beatles, Arthur Howes, para programar las actuaciones en directo de la banda. El grupo trató infructuosamente de audicionar para varias discográficas hasta principios de 1964, cuando Talmy les consiguió un contrato con Pye Records. Durante este período se unió a la banda un nuevo baterista, Mickey Willet, quien, sin embargo la abandonó poco antes de que la agrupación firmara el contrato. The Ravens invitó a Mick Avory a reemplazarlo tras ver un anuncio en Melody Maker que había publicado. Avory tenía experiencia como baterista de jazz y había actuado una vez en un concierto con la banda recién creada Rolling Stones.
MIEMBROS
- Ray Davies Febrero 1964–1996 Vocalista, guitarra rítmica, armónica, teclista, compositor principal
- Dave Davies Febrero 1964–1996 Armonías vocales, guitarra solista, ocasionalmente vocalista y compositor
- Mick Avory Febrero 1964–1984 Batería e instrumentos de percusión
- Pete Quaife Febrero 1964 – junio 1966,
- noviembre 1966 – marzo 1969 Bajo, voces
- Nicky Hopkins 1965–1968 Teclista (sesiones de grabación)
- John Dalton Junio – noviembre 1966,
- abril 1969–1976, 1978 Bajo, voces
- John Gosling 1970–1978 Teclista
- Andy Pyle 1976–1978 Bajo
- Gordon John Edwards 1978 Teclista, voces
- Jim Rodford 1978–1996 Bajo, voces
- Ian Gibbons 1979–1989, 1993–1996 Teclista, voces
- Bob Henrit 1984–1996 Batería e instrumentos de percusión
- Mark Haley 1989–1993 Teclista, voces
Albumes de Estudio
- 1964: Kinks
- 1965: Kinks-Size (sólo lanzado en Estados Unidos)
- 1965: Kinda Kinks
- 1965: Kinkdom (sólo lanzado en Estados Unidos)
- 1965: The Kink Kontroversy
- 1966: Face to Face
- 1967: Something Else by The Kinks
- 1968: The Kinks Are the Village Green Preservation Society
- 1969: Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire)
- 1970: Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part One
- 1971: Muswell Hillbillies
- 1972: Everybody's in Show-Biz
- 1973: Preservation Act 1
- 1974: Preservation Act 2
- 1975: Soap Opera
- 1976: Schoolboys in Disgrace
- 1977: Sleepwalker
- 1978: Misfits
- 1979: Low Budget
- 1981: Give the People What They Want
- 1983: State of Confusion
- 1984: Word of Mouth
- 1986: Think Visual
- 1989: UK Jive
- 1993: Phobia
MEJORES CANCIONES DE THE KINKS
10 - Waterloo Sunset
9 - Strangers
8 - Sunny Afternoon
7 - This Time Tomorrow
6 - All day and all of the night
5 - A well respected man
4 - Cadillac
3 - The way love used to be
2 - You really got me
1 - Lola
PINK FLOYD
El legendario grupo de rock británico Pink Floyd se forma en torno a un grupo de estudiantes universitarios de arquitectura. De hecho, Roger Waters, quien fue por mucho tiempo su voz principal y bajista, conoce a Nicholas Mason y a Richard Wright en el "Regent Street Polytechnic". Por otro lado, uno de sus iniciales integrantes e inspiradores, Syd Barrett, tenía por compañeros de secundaria al mencionado Rogers Waters y también al actual líder y guitarrista de la banda David Gilmour.
El nombre "Pink Floyd" o "The Pink Floyd Sound", como se llamaba originalmente, proviene de conjugar los nombres de pila de dos bluseros de Georgia, en los Estados Unidos de América, a quienes admiraban. Ellos eran Pink Anderson y Floyd Council. En el año 1967 editan su primer simple con los temas "Arnold Layne" de un lado y "Candy and a currant bun" del otro. Poco después aparece su primer disco de Pink Floyd llamado "The piper at the gates of dawn", es decir, "El flautista a las puertas del alba" donde casi todos los temas eran autoría de Barrett. El disco recibió un rápido reconocimiento y trepó rápidamente en la lista de canciones mas escuchadas. Por esa época Syd Barrett tenía crisis recurrentes psiquiátricas y por drogas que lo alejarían del grupo.
En Junio de 1968 se edita el segundo disco de Pink Floyd: "Saucerful of secrets" con la mayoría de los temas compuestos por David Gilmour y solamente dos atribuidos a Syd Barrett. En noviembre de 1969 aparece "Ummagumma" el cual es un disco doble denominado de transición para el grupo. Al poco tiempo aparece un nuevo álbum llamado "Atom heart mother" el cual contenía una suite con el mismo nombre que ocupaba toda una cara del disco mientras que en la otra había temas individuales. Pronto después, Meddle hace su aparición.
.jpg)
En 1973 aparece su disco mas vendido: "El lado oscuro de la luna". Este disco los lanza definitivamente a la fama mundial y es actualmente el disco mas vendido de todos los tiempos. En 1975 aparece "Shine on you crazy diamond", cuyo tema principal estaba dedicado a Syd Barrett quien hacia años que no formaba parte de la banda. "Animals", su siguiente disco, aparece en 1977.
Uno de sus discos mas emblemáticos "The Wall" o "La pared" hace su aparición a finales de 1979. Un disco doble cuya autoría completa pertenece a Roger Waters brinda una nueva vuelta de tuerca a la propuesta musical del grupo. En marzo de 1983 se edita "The final cut" el cual es el último antes de la definitiva partida de Waters. Luego de algunos años sin actividades, lograron reponerse de la ausencia de Waters y David Gilmour tomo el control y liderazgo definitivo de Pink Floyd.
MIEMBROS
Uno de sus discos mas emblemáticos "The Wall" o "La pared" hace su aparición a finales de 1979. Un disco doble cuya autoría completa pertenece a Roger Waters brinda una nueva vuelta de tuerca a la propuesta musical del grupo. En marzo de 1983 se edita "The final cut" el cual es el último antes de la definitiva partida de Waters. Luego de algunos años sin actividades, lograron reponerse de la ausencia de Waters y David Gilmour tomo el control y liderazgo definitivo de Pink Floyd.
MIEMBROS
- Syd Barrett: Guitarra y Voz
- Roger Waters: Bajo y Voz
- Richard Wright: Teclado y Voz
- Nick Mason: Batería y Percusión
Albumes de Estudio
- 5 de agosto de 1967 The Piper at the Gates of Dawn
- 29 de junio de 1968 A Saucerful of Secrets
- 27 de julio de 1969 Music from the Film More
- 25 de octubre de 1969 Ummagumma
- 10 de octubre de 1970 Atom Heart Mother
- 30 de octubre de 1971 Meddle
- 3 de junio de 1972 Obscured by Clouds
- 24 de marzo de 1973 The Dark Side of the Moon
- 15 de septiembre de 1975 Wish You Were Here
- 23 de enero de 1977 Animals
- 30 de noviembre de 1979 The Wall
- 23 de marzo de 1983 The Final Cut
- 7 de septiembre de 1987 A Momentary Lapse of Reason
- 30 de marzo de 1994 The Division Bell
MEJORES CANCIONES DE PINK FLOYD
9. Dogs
8. Us &them
7. Another brick in the wall
6. Money
5. Echoes
4. Shine on you crazy diamond
3. Time
2. Comfortably numb
1. Wish you were here
T - REX
Fueron la fuerza fundadora del glam rock en los años sesenta bajo la dirección del guitarrista y cantante Marc Bolan (Marc Field) quien creó un sonido descartable que mostraba con orgullo su escencia desechable.
Tyrannosaurus Rex, más tarde T. Rex, tomó la sexualidad subyacente del inicio del rock and roll y le agregó sonidos sucios y simples cargados de distorsiones sobre una base conceptual folk y hippie que inexplicablemente producían baladas claras.
En Gran Bretaña se convirtieron en verdaderas superestrellas que inclusive dominaron las listas con una larga serie de sencillos en el Top 10 y cuatro número unos e influyeron significativamente en otros artistas de la época. Sin embargo, en Estados Unidos el grupo solo tuvo un éxito importante que fue “Bang a Gong (Get it On)”, para luego nunca más volver a las listas.
La popularidad de la banda en el Reino Unido empezó a decaer hacia 1975, aunque siempre existió una audiencia devota a Marc Bolan hasta su muerte en 1977 en un accidente de tránsito. Durante las siguientes dos décadas Bolan, como todo visionario, se convirtió en una figura de culto de la misma manera que la música de T Rex se convirtió en una gran influencia para el hard rock, punk, new wave y el rock alternativo.
Para entonces Tyrannosaurus Rex empezaba a armar una base de seguidores dentro del ambiente underground que a la sazón ayudó a que el libro de poemas de Bolan “The Warlock of Love” entrara a la lista de best-sellers de Inglaterra.
Aunque en sus inicios Bolan era más rocanrolero ahora escribía de forma más dramática con elementos de las mitologías griega y persa, aunque imbuidas en acordes que recordaban al rock. Se habían vuelto habitué de las “Peel Sessions” de la BBC y se habían presentado en las principales salas de estudiantes de Gran Bretaña. Sin embargo, los periodistas y los críticos no podían asimilarlos los criticaban permanentemente.
“Unicorn”, el tercer LP, salió a la venta en 1969 acompañado del sencillo "King of the Rumbling Spires" la primera canción del dúo en el que aparecía una guitarra eléctrica.
La popularidad de la banda en el Reino Unido empezó a decaer hacia 1975, aunque siempre existió una audiencia devota a Marc Bolan hasta su muerte en 1977 en un accidente de tránsito. Durante las siguientes dos décadas Bolan, como todo visionario, se convirtió en una figura de culto de la misma manera que la música de T Rex se convirtió en una gran influencia para el hard rock, punk, new wave y el rock alternativo.
Para entonces Tyrannosaurus Rex empezaba a armar una base de seguidores dentro del ambiente underground que a la sazón ayudó a que el libro de poemas de Bolan “The Warlock of Love” entrara a la lista de best-sellers de Inglaterra.
Aunque en sus inicios Bolan era más rocanrolero ahora escribía de forma más dramática con elementos de las mitologías griega y persa, aunque imbuidas en acordes que recordaban al rock. Se habían vuelto habitué de las “Peel Sessions” de la BBC y se habían presentado en las principales salas de estudiantes de Gran Bretaña. Sin embargo, los periodistas y los críticos no podían asimilarlos los criticaban permanentemente.
“Unicorn”, el tercer LP, salió a la venta en 1969 acompañado del sencillo "King of the Rumbling Spires" la primera canción del dúo en el que aparecía una guitarra eléctrica.
Para ese momento la relación entre Took y Bolan prácticamente se había terminado por un cúmulo de razones. Una era la forma de vida que llevaba cada cual. Por una parte Bolan vivía junto a su novia June Child de manera bastante tranquila, mientras que Took se había unido a una comunidad anti comercial en la que las drogas iban y venían, además de que empezó a acercarse a ideas de corte anarquista.
La relación entre ambos terminó después de “Unicorn”, aunque contractualmente estaban obligados a hacer una gira a los Estados Unidos que estaba predestinada a fracasar. Una mala promoción y planeación llevaron a que la gente ni se diera cuenta que estaban tocando porque todo estaba planeado para un grupo eléctrico y no acústico como ellos
La relación entre ambos terminó después de “Unicorn”, aunque contractualmente estaban obligados a hacer una gira a los Estados Unidos que estaba predestinada a fracasar. Una mala promoción y planeación llevaron a que la gente ni se diera cuenta que estaban tocando porque todo estaba planeado para un grupo eléctrico y no acústico como ellos
Entusiasmado por el éxito alcanzado Bolan convirtió a T. Rex en una banda completa a la que llegaron el bajista Steve Currie y el baterista Bill Legend. La nueva formación grabó “Hot Love” que estuvo seis semanas como número uno en 1971. A mediados de ese año salió “Get It On” (Bang a Gong (Get It On) de este lado del Atlántico) que también número uno y número 10 en Estados Unidos en 1972.
Se dice que el nombre se simplifico luego de que Visconti escribiera la abreviatura en las cintas de grabación del grupo.
En ese momento en Inglaterra se vivía el “Tiréxtasis” con una adolescencia que idolatraba al grupo y la prensa tratando de descifrar lo que pasaba detrás de la imagen de Marc Bolan que se mostraba con galera, una estola de plumas y zapatos de plataforma mientras interpretaba “Get It On” en la BBC.
A inicios de 1972 la fama del T. Rex era tal que ya EMI se encargó de la distribución de sus discos, pero cedió sus derechos de disquera al sello de Bolan “T.Rex Wax Co.” “Telegram Sam” fue el primer sencillo que salió bajo está fórmula y el tercero en ser número uno en el Reino Unido.
Se dice que el nombre se simplifico luego de que Visconti escribiera la abreviatura en las cintas de grabación del grupo.
En ese momento en Inglaterra se vivía el “Tiréxtasis” con una adolescencia que idolatraba al grupo y la prensa tratando de descifrar lo que pasaba detrás de la imagen de Marc Bolan que se mostraba con galera, una estola de plumas y zapatos de plataforma mientras interpretaba “Get It On” en la BBC.
A inicios de 1972 la fama del T. Rex era tal que ya EMI se encargó de la distribución de sus discos, pero cedió sus derechos de disquera al sello de Bolan “T.Rex Wax Co.” “Telegram Sam” fue el primer sencillo que salió bajo está fórmula y el tercero en ser número uno en el Reino Unido.
En el verano boreal de 1973 el guitarrista rítmico Jack Green se unió a la agrupación junto con tres cantantes de respaldo, incluida la norteamericana Gloria Jones que pronto se convirtió en la novia de Bolan luego de que se separara. A inicios del 74 el baterista Bill Legend dejó el grupo y fue reemplazado por Davy Lutton.
A lo largo de 1974 la popularidad de T. Rex fue desapareciendo rápidamente al punto que cuando su siguiente disco “Zip Gun Boogie” salió a la venta en noviembre apenas alcanzó la posición 41. Entonces empezó un período de entradas y salidas que le fueron quitando cohesión al grupo. Finn y Green se fueron de T. Rex a finales de año mientras entraba el tecladista Dino Dins.
En ese momento Bolan decidió que tenía que cambiar de dirección y se dedicó a escribir una columna semanal en una revista especializada y a tener su propio programa de televisión. La aparición de artistas como David Bowie y Generation X, el programa ayudó a que Marc Bolan retomara su imagen hip.
Entonces firmó un contrato con RCA junto con el bajista Herbie Flowers y el baterista Tony Newman. Sin embargo, nunca pudo grabar con el nuevo grupo pues mientras regresaba a casa en el auto de Gloria Jones, ella perdió el control del auto, se estrellaron contra un árbol y él murió en el instante.
Aunque la música de T. Rex pretendía ser descartable se volvió indispensable con los años. El Hard Rock y el Heavy Metal tomaron prestada su imagen y la pertinaz resonancia de sus guitarras. Las bandas punk habrán hecho a un lado los tacones, las estolas y las galeras, pero asumieron la estructura de tres acordes y la estética pop que hizo a la banda tan popular.
A lo largo de 1974 la popularidad de T. Rex fue desapareciendo rápidamente al punto que cuando su siguiente disco “Zip Gun Boogie” salió a la venta en noviembre apenas alcanzó la posición 41. Entonces empezó un período de entradas y salidas que le fueron quitando cohesión al grupo. Finn y Green se fueron de T. Rex a finales de año mientras entraba el tecladista Dino Dins.
En ese momento Bolan decidió que tenía que cambiar de dirección y se dedicó a escribir una columna semanal en una revista especializada y a tener su propio programa de televisión. La aparición de artistas como David Bowie y Generation X, el programa ayudó a que Marc Bolan retomara su imagen hip.
Entonces firmó un contrato con RCA junto con el bajista Herbie Flowers y el baterista Tony Newman. Sin embargo, nunca pudo grabar con el nuevo grupo pues mientras regresaba a casa en el auto de Gloria Jones, ella perdió el control del auto, se estrellaron contra un árbol y él murió en el instante.
Aunque la música de T. Rex pretendía ser descartable se volvió indispensable con los años. El Hard Rock y el Heavy Metal tomaron prestada su imagen y la pertinaz resonancia de sus guitarras. Las bandas punk habrán hecho a un lado los tacones, las estolas y las galeras, pero asumieron la estructura de tres acordes y la estética pop que hizo a la banda tan popular.
Albumes de Estudio
- My People Were Fair and Had Sky in Their Hair... But Now They're Content to Wear Stars on Their Brows (1968)
- Prophets, Seers & Sages: The Angels of the Ages (1968)
- Unicorn (1969)
- A Beard of Stars (1970)
como T. Rex
- T. Rex (1970)
- Electric Warrior (1971)
- The Slider (1972)
- Tanx (1973)
- Zinc Alloy and the Hidden Riders of Tomorrow (1974)
- Light of Love (1974)
- Bolan's Zip Gun (1975)
- Futuristic Dragon (1976)
- Dandy in the Underworld (1977)
MEJORES CANCIONES DE T - REX
10 - Jeepster
9 - King of the Rumbling Spires
8 - Cosmic Dancer
7 - Ride a White Swan
6 - The Slider
5 - Children Of The Revolution
4 - 20th Century Boy
3 - Telegram Sam
2 - Metal Guru
1 - Bang a Gong (Get It On)
ALICE COOPER
Esta característica escénica influenciaría notablemente a grupos como KISS, White Zombie, Mötley Crüe, Twisted Sister, Marilyn Manson, Lordi, etc. Dentro de su actitud irreverente destaca el show de cortar bebés con un hacha, filetear una dama frente a un refrigerador abierto e incluso presentarse para presidente contra Richard Nixon en Estados Unidos de America. La banda en sus inicios acusó una gran influencia de Frank Zappa, mentor de la formación; Zappa aconsejó al grupo incorporar elementos extravagantes en sus actuaciones, tales como tirar gallinas al público; los primeros álbumes de la formación, acusaron de esta manera una influencia del genio, que perviviría a lo largo de su carrera, en elementos de Rock progresivo que se pueden apreciar en los álbumes clásicos del grupo.
Su estilo quedaría más definido a partir del álbum «Love it to death» (1971), su primer disco de éxito, que incorpora el himno generacional «I’m Eighteen». Posteriormente, publicarían entre 1971 y 1973 lo que se considera como su trilogía clásica, «Killer», «School’s out» y el exitoso «Billion dollar Babies», discos que, junto con «Love it to death» contienen su repertorio más recordado, temas como «Under my Wheels», «Elected», «Is it my body» «Desperado» o «School’s out».
El grupo desarrollaría en estos años un estilo personal, que se movería entre un Rock and roll y Hard rock de corte clásico, que incluiría en temas como «Halo of flies» o «Killer», desarrollos cercanos al Rock progresivo, y por la teatralidad de sus directos, que incluyen números escénicos como el ahorcamiento o guillotinamiento de su líder.
La banda cae en un pequeño bache artístico y comercial en 1973 con el álbum «Muscle of love», lo que conduce a su disolución, y al inicio de la carrera de Alice Cooper como solista, mientras que los integrantes de su antigua banda seguirían durante un corto período de tiempo bajo el nombre de «Billion Dollar Babies».
Alice Cooper inicia en 1975 su carrera como solista, con otro álbum elevado a la categoría de clásico por la crítica, como es «Welcome to My Nightmare», un disco lleno de eclecticismo y cuidados arreglos, además de un sonido ligeramente más endurecido en ciertos cortes del álbum. A este álbum pertenecen temas tan recordados como «Department of youth», «Devil’s food» o la exitosa balada «Only women bleed». Su siguiente trabajo, «Goes to hell» (1976), mantendría el tipo artísticamente, sin alcanzar el nivel de su predecesor, pero Alice se hundía cada vez más en graves problemas de alcoholismo que afectarían negativamente a su carrera, llevando incluso a su ingreso en un centro psiquiátrico, experiencia que sirve de leit-motiv para su álbum «From the inside»; en esta época graba maquetas con el entonces desconocido «John Bongiovi» a quien luego se conocera por su banda Bon Jovi. En 1977 lanza su álbum «Lace & Whiskey» el cual contiene el famoso tema «You And Me» dedicado a su esposa.
Entre 1978 y 1983, Alice publica una serie de LP’s como «Da Da» «Flush the fashion» o «Special forces», discos con escasa repercusión comercial que se mueven entre el New Wave, el Rock y un Pop ligeramente surreal. Estos discos, sin embargo, contienen temas muy apreciados por los fans más acérrimos, tales como «Clones (we’re all)» (del LP «Flush the fashion» y versioneada por Smashing Pumpkins) o «Who do you think we are» (de «Special forces», un tema recientemente recuperado en los directos de la banda).
1986 vería el regreso de Alice Cooper al primer plano de la actualidad musical, abrazando de lleno el Heavy Metal, de la mano del fornido guitarrista Kane Roberts, con el exitoso «Constrictor». Una línea que tendría su continuidad en el álbum «Raise your fist and yell»; estos dos discos dejaron para la posteridad temas como «Teenage Frankenstein» o «Freedom».
Su estilo quedaría más definido a partir del álbum «Love it to death» (1971), su primer disco de éxito, que incorpora el himno generacional «I’m Eighteen». Posteriormente, publicarían entre 1971 y 1973 lo que se considera como su trilogía clásica, «Killer», «School’s out» y el exitoso «Billion dollar Babies», discos que, junto con «Love it to death» contienen su repertorio más recordado, temas como «Under my Wheels», «Elected», «Is it my body» «Desperado» o «School’s out».
El grupo desarrollaría en estos años un estilo personal, que se movería entre un Rock and roll y Hard rock de corte clásico, que incluiría en temas como «Halo of flies» o «Killer», desarrollos cercanos al Rock progresivo, y por la teatralidad de sus directos, que incluyen números escénicos como el ahorcamiento o guillotinamiento de su líder.
La banda cae en un pequeño bache artístico y comercial en 1973 con el álbum «Muscle of love», lo que conduce a su disolución, y al inicio de la carrera de Alice Cooper como solista, mientras que los integrantes de su antigua banda seguirían durante un corto período de tiempo bajo el nombre de «Billion Dollar Babies».
Alice Cooper inicia en 1975 su carrera como solista, con otro álbum elevado a la categoría de clásico por la crítica, como es «Welcome to My Nightmare», un disco lleno de eclecticismo y cuidados arreglos, además de un sonido ligeramente más endurecido en ciertos cortes del álbum. A este álbum pertenecen temas tan recordados como «Department of youth», «Devil’s food» o la exitosa balada «Only women bleed». Su siguiente trabajo, «Goes to hell» (1976), mantendría el tipo artísticamente, sin alcanzar el nivel de su predecesor, pero Alice se hundía cada vez más en graves problemas de alcoholismo que afectarían negativamente a su carrera, llevando incluso a su ingreso en un centro psiquiátrico, experiencia que sirve de leit-motiv para su álbum «From the inside»; en esta época graba maquetas con el entonces desconocido «John Bongiovi» a quien luego se conocera por su banda Bon Jovi. En 1977 lanza su álbum «Lace & Whiskey» el cual contiene el famoso tema «You And Me» dedicado a su esposa.
Entre 1978 y 1983, Alice publica una serie de LP’s como «Da Da» «Flush the fashion» o «Special forces», discos con escasa repercusión comercial que se mueven entre el New Wave, el Rock y un Pop ligeramente surreal. Estos discos, sin embargo, contienen temas muy apreciados por los fans más acérrimos, tales como «Clones (we’re all)» (del LP «Flush the fashion» y versioneada por Smashing Pumpkins) o «Who do you think we are» (de «Special forces», un tema recientemente recuperado en los directos de la banda).
1986 vería el regreso de Alice Cooper al primer plano de la actualidad musical, abrazando de lleno el Heavy Metal, de la mano del fornido guitarrista Kane Roberts, con el exitoso «Constrictor». Una línea que tendría su continuidad en el álbum «Raise your fist and yell»; estos dos discos dejaron para la posteridad temas como «Teenage Frankenstein» o «Freedom».
Su siguiente trabajo, ahondaría en la misma línea, pero su sonido se dulcificaría incluyendo coros y melodías similares a las del Glam metal, un estilo que se encontraba en pleno auge, y contando para ello con el exitoso compositor y productor Desmond Child, que había trabajado para bandas como Bon Jovi. El resultado fue el exitoso «Trash» (1989), un disco recordado por el megahit «Poison», cuyo video fue fuertemente promocionado por MTV y por otros como «Bed of nails» o «Spark in the dark». Su siguiente trabajo, «Hey Stoopid» (1991), seguiría la misma línea que su predecesor, pero sin alcanzar su éxito, y dejando temas como «Love is a loaded gun». Habían comenzado los años 90, y el Glam metal había perdido su popularidad ante el auge del Grunge.
En su siguiente álbum, «The last temptation» (1994), Alice intentaría recuperar algo de su sonido clásico en temas como «Lost in America», y retomaría algo de su estética más «Pulp» y «kitsch», incluyendo un cómic inspirado en la historia del álbum, que además incidiría en otro concepto rescatado de su etapa más clásica: la del Álbum conceptual, un trabajo en el que todos los temas conforman una sola historia. Para este trabajo, Alice contó con la colaboración de Chris Cornell, líder de Soundgarden, con el que escribe el tema «Stolen prayer».
Sus siguientes trabajos, del 2000 y 2001, «Brutal planet» y «Dragontown», retomarían el Heavy metal, desde un concepto endurecido, en una aproximación al rock industrial y el metal más en boga de grupos como Nine Inch Nails o Marilyn Manson.
Sus siguientes trabajos, del 2000 y 2001, «Brutal planet» y «Dragontown», retomarían el Heavy metal, desde un concepto endurecido, en una aproximación al rock industrial y el metal más en boga de grupos como Nine Inch Nails o Marilyn Manson.
MIEMBROS
Formación original
- Vincent Damon Furnier – voz (1965-)
- Glen Buxton – guitarra (1965-1973) (fallecido)
- Michael Bruce – guitarra (1965-1973)
- Dennis Dunaway – bajo (1965-1973)
- Neal Smith – batería (1965-1973)
Otros músicos
- Mick Mashbir – guitarra (1973)
- Bob Dolin – teclados (1973)
- Steve Hunter – guitarra (1974-1979)
- Dick Wagner – guitarra (1974-1983)
- Josef Chirowski – teclados (1974-1976)
- Penti Glan – batería (1974-1979)
- Prakash John – bajo (1974-1983)
- Tony Levin – bajo (1974-1979)
- Allan Schwartzberg – batería (1974-1979)
- Dennis Conway – batería (1977-1979)
- Pentti Glan – batería (1977-1979)
- Davey Johnstone – guitarra (1977-1983)
- Jefferson Kewley – guitarra (1977-1979)
- Bob Kulick – guitarra (1977-1979)
- Fred Mandel – teclados (1977-1979)
- Dee Murray – bajo (1977-1979)
- Mark Stein – teclados (1977-1979)
- Duane Hitchings – bajo (1980-1983)
- Craig Kampf – batería (1980-1983)
- Richard Kolinka – batería (1980-1983)
- Mike Pinera – guitarra (1980-1983)
- Erik Scott – bajo (1980-1983)
- Jan Uvena – batería (1980-1983)
- Kane Roberts – guitarra (1984-1988)
- Kip Winger – bajo (1984-1988)
- Paul Taylor – teclados (1984-1988), (1994-2002)
- Johnny Dime – guitarra (1984-1988)
- Donnie Kisselbach – bajo (1984-1988)
- Ken Mary – batería (1984-1988)
- David Rosenberg – batería (1984-1988)
- Steve Steele – bajo (1984-1988)
- Tommy Caradonna – bajo (1989-1993)
- Pete Friesen – guitarra (1989-1993)
- Vinnie Moore – guitarra (1989-1993)
- Jonathon Mover – batería (1989-1993)
- Al Pitrelli – guitarra (1989-1993)
- Derek Sherinian – teclados (1989-2002)
- Eric Singer – batería (1991-Hoy)
- Teddy Andreadis – teclados (1994-2002)
- Reb Beach – guitarra (1994-2002)
- Stef Burns – guitarra (1994-2002)
- Jimmy DeGrasso – batería (1994-2002)
- Eric Dover – guitarra (1994-2005)
- Steve Farris – guitarra (1994-2002)
- Todd Jensen – bajo (1994-2002)
- Matt Laug – batería (1994-2002)
- Bob Marlette – bajo (1994-2002)
- Merrit Morrison – bajo (1994-2002)
- Ryan Roxie – guitarra (1994-)
- Greg Smith – teclados (1994-2002)
- David Vosikkinen – batería (1994-2002)
- Dan Wexler – guitarra (1994-2002)
- Chuck Wright – bajo (1994-2002)
- Phil X – guitarra (1994-2002)
- Pete Freezin' – guitarra (1994-2002)
- Pablo Wilton – batería (2003-2005)
- Chuck Garrick – bajo (2003-)
- Damon Johnson – guitarra (2003-)
- Hugh McDonald – bajo (1989-)
Albumes de Estudio
Alice Cooper como banda
- Pretties For You (1969)
- Easy Action (1970)
- Love It to Death (1971)
- Killer (1971)
- School's Out (1972)
- Billion Dollar Babies (1973)
- Muscle of Love (1973)
En solitario
- Welcome to My Nightmare (1975)
- Alice Cooper Goes to Hell (1976)
- Lace And Whiskey (1977)
- The Alice Cooper Show (1977) - Live
- From the Inside (1978)
- Flush the Fashion (1980)
- Special Forces (1981)
- Zipper Catches Skin (1982)
- DaDa (1983)
- Constrictor (1986)
- Raise Your Fist and Yell (1987)
- Trash (1989)
- Hey Stoopid (1991)
- The Last Temptation (1994)
- A Fistful of Alice (1997) - Live
- Brutal Planet (2000)
- Dragontown (2001)
- The Eyes of Alice Cooper (2003)
- Dirty Diamonds (2005)
- Live at Montreux 2005 (2006) - Live
- Along Came A Spider (2008)
- Welcome 2 my Nightmare (2011)
MEJORES CANCIONES DE ALICE COOPER
10 - Billion Dolar Babies
9 - Hey Stoopid
8 - Bed Of Nails
7 - Feed My Frankenstein
6 - I'm Eighteen
5 - House Of Fire
4 - He's Back
3 - School's Out
2 - No More Mr. Nice Guy
1 - Poison
LED ZEPPELIN
Su primer disco fue editado en 1969, llamado también Led
Zeppelin. Fue grabado en apenas una semana (grabado, mezclado y editado) en los estudios Olympic de Londres en octubre de 1968, empleando apenas 30 horas de estudio y sin casi horas de ensayo, ya que tenían los temas preparados desde la pequeña gira escandinava en la que aún eran The New Yardbirds. Al principio, el público británico no respondía muy efusivamente al lanzamiento del álbum y las explosivas actuaciones que lo siguieron, un hecho que provocó que la banda dejara de publicar singles en Inglaterra, pero tras embarcar en su primera gira norteamericana, el álbum tuvo un éxito inmenso en crítica y público, sobretodo en Estados Unidos. Su segundo disco, Led Zeppelin II los consagró definitivamente, llegando al número 1 en las listas británica y estadounidense (destronando al Abbey Road de The Beatles) y permaneciendo allí durante siete semanas, probablemente gracias al éxito de temas como Whole Lotta Love.
El éxito que Led Zeppelin tuvo a lo largo de su vida como tal (1969-1980) fue enorme. La combinación de personalidades dio como resultado un grupo excepcional:
*Uno de los bateristas más personales de su época (John Bonham).
*Con uno de los músicos más completos de Inglaterra, que tocaba el bajo, la guitarra, la mandolina, el piano, Los teclados y la flauta (John Paul Jones).
*Un cantante nuevo y poseedor de un estilo sorprendente (Robert Plant).
*Y un guitarrista que había participado como sesionista en cientos de grabaciones y es considerado uno de los guitarristas de rock más inspirados que existieron, (Jimmy Page).
MIEMBROS
- Robert Plant: voz, armónica, pandereta,
- Jimmy Page: guitarra, guitarra de 12 cuerdas,
- John Paul Jones: bajo eléctrico, teclado, mandolina,
- John Bonham: batería, percusión.
Albumes de Estudio
- Led Zeppelin (1969)
- Led Zeppelin II (1969)
- Led Zeppelin III (1970)
- Led Zeppelin IV (1971)
- Houses of the Holy (1973)
- Physical Graffiti (1975)
- Presence (1976)
- In Through the Out Door (1979)
- Coda (1982)
9 - Ten Years Gone
8 - Ramble On
7 - The Rain Song
6 - Whole Lotta Love
5 - When the levee Breaks
4 - Since I've been loving you
3 - Achilles last stand
2 - Kashmir
1 - Stairway to Heaven
DEEP PURPLE
Deep Purple es una banda de hard rock formada en Hertford, Inglaterra, en 1968, que está considerada como una de las pioneras del heavy metal y del hard rock, aunque durante su carrera también incorporó elementos del pop y del rock progresivo. A lo largo de su carrera han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, y fueron reconocidos como la banda más ruidosa del mundo por el libro Guinness de los récords en los años 70.
La banda ha sufrido múltiples cambios en su alineación y permaneció inactiva desde 1976 hasta 1984. Sus cuatro primeras alineaciones son a menudo etiquetadas como "Mark I", "II", "III" y "IV". La "Mark II", formada por Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Roger Glover (bajo), fue la alineación más exitosa y la que mayores ventas ha cosechado, y se mantuvo en activo desde 1969 a 1973, 1984 a 1989 y nuevamente entre 1992 a 1993 cuando la relación entre Blackmore y el resto de los músicos se volvió irreparable. Su alineación actual, que cuenta con Steve Morse en lugar de Blackmore y con Don Airey en lugar de Lord, lleva en activo desde 2002.
Durante todo el 2010 el grupo se presento en algunas ciudades del continente asiático (Taiwan, Malasia, Corea China y Singapur), Africano y Europeo principalmente, siendo las mas representativas en Australia (abril), Francia y Alemania (Noviembre y Diciembre) con llenos absolutos.
Durante 2011 tuvieron 4 presentaciones en México (22 y 23 de febrero Ciudad de México, 24 en Monterrey y 27 en Guadalajara) y regresaran a Turquía el 18 de mayo después de su presentación emotiva el 20 de julio de 2009 y el 20 de mayo de 2011 se presentaran en Atenas, Grecia. Curiosamente es el mismo orden de presentaciones que realizo la Banda en estas 2 ultimas ciudades en Julio de 2009.
Durante todo el 2010 el grupo se presento en algunas ciudades del continente asiático (Taiwan, Malasia, Corea China y Singapur), Africano y Europeo principalmente, siendo las mas representativas en Australia (abril), Francia y Alemania (Noviembre y Diciembre) con llenos absolutos.
Durante 2011 tuvieron 4 presentaciones en México (22 y 23 de febrero Ciudad de México, 24 en Monterrey y 27 en Guadalajara) y regresaran a Turquía el 18 de mayo después de su presentación emotiva el 20 de julio de 2009 y el 20 de mayo de 2011 se presentaran en Atenas, Grecia. Curiosamente es el mismo orden de presentaciones que realizo la Banda en estas 2 ultimas ciudades en Julio de 2009.
Recientemente Ian Gillan ha declarado que aún a la edad que tienen, sienten mucha energía para continuar pisando los escenarios por muchos años más, ya que no planean desintegrar la banda. Asi mismo refiere que él podría seguir tocando hasta sus noventa años.
Asi mismo comenta que le encanta ver gente joven durante sus presentaciones ya que "ellos tienen demasiada energía y la energía circula y eso es inspiracional. La gente grande llega y se sienta, están como tiesos."
Cabe destacar que actualmente varios rankings realizados en páginas webs colocan al riff de "Smoke On The Water" como el más importante de todos los tiempos.
MIEMBROS
Asi mismo comenta que le encanta ver gente joven durante sus presentaciones ya que "ellos tienen demasiada energía y la energía circula y eso es inspiracional. La gente grande llega y se sienta, están como tiesos."
Cabe destacar que actualmente varios rankings realizados en páginas webs colocan al riff de "Smoke On The Water" como el más importante de todos los tiempos.
MIEMBROS
- Gillian: voz
- Steve Morse: guitarra
- Roger Glover: bajo
- Don Airey: teclados
- Ian Pace:batería
Albumes de Estudio
- Shades of Deep Purple - 1968 (Blackmore-Evans-Paice-Simper-Lord)
- The Book of Taliesyn - 1968 (Blackmore-Evans-Paice-Simper-Lord)
- Deep Purple - 1969 (Blackmore-Evans-Paice-Simper-Lord)
- In Rock - 1970 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
- Fireball - 1971 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
- Machine Head - 1972 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
- Who Do We Think We Are? - 1973 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
- Burn - 1974 (Blackmore-Coverdale-Paice-Hughes-Lord)
- Stormbringer - 1974 (Blackmore-Coverdale-Paice-Hughes-Lord)
- Come Taste the Band - 1975 (Bolin-Coverdale-Paice-Hughes-Lord)
- Perfect Strangers - 1984 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
- The House of Blue Light - 1987 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
- Slaves & Masters - 1990 (Blackmore-Turner-Paice-Glover-Lord)
- The Battle Rages on... - 1993 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
- Purpendicular - 1996 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Lord)
- Abandon - 1998 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Lord)
- Bananas - 2003 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Airey)
- Rapture of the Deep - 2005 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Airey)
- Now What?! - 2013 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Airey)
MEJORES CANCIONES DE DEEP PURPLE
9. SPACE TRUCKIN
8. HUSH
7. PERFECT STRANGERS
6. LAZY
5. BLACK NIGHT
4. BURN
3. CHILD IN TIME
2. SMOKE ON THE WATER
1. HIGHWAY STAR
THE DOORS
Los orígenes de The Doors se pueden remontar al encuentro de dos estudiantes de la escuela de cine de la UCLA, Jim Morrison y Ray Manzarek en la playa Venice en julio de 1965 que condujo a la fundación de The Doors. Morrison le habló a Manzarek de sus canciones y le cantó "Moonlight Drive". Impresionado por la calidad de las letras, Ray Manzarek sugirió inmediatamente que formasen una banda.
Ray Manzarek (y su órgano Vox) ya estaba en una banda, llamada Rick And The Ravens con su hermano Rick, mientras que Robby Krieger y John Densmore tocaban en The Psychedelic Rangers y conocían a Manzarek de unas clases de meditación. En agosto, Densmore se unió al grupo y con algunos miembros de los Ravens y una bajista no identificado, grabaron una demo de seis canciones el 2 de septiembre. Esta demo fue parcialmente pirateada, y apareció entera el 1997 en el Doors Box Set.
Ese mismo mes, el grupo reclutó al talentoso Robby Krieger y la alineación final —Morrison, Manzarek, Krieger y Densmore— estaba completa. La banda tomó su nombre de un libro de Aldous Huxley, The Doors of Perception, que a su vez, estaba tomada de un verso del poeta William Blake: "If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite." (Si las puertas de la percepción se abriesen, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito)
The Doors se diferenciaba de muchos grupos de rock de la época, porque no usaban un bajo en concierto. En vez de esto, Manzarek tocaba las melodías del bajo con la mano izquierda en el novedoso bajo Fender Rhodes, una nueva versión del ya conocido piano Fender Rhodes, y las melodías del teclado con la mano derecha. Sin embargo, el grupo usó algunos bajistas en sus grabaciones de estudio, entre ellos Jerry Scheff, quien tocó luego en más de 1,100 conciertos para Elvis Presley (de 1969 hasta su muerte en 1977), así como Doug Lubahn, Harvey Brooks, Kerry Magness, Lonnie Mack y Ray Neapolitan.
Ese mismo mes, el grupo reclutó al talentoso Robby Krieger y la alineación final —Morrison, Manzarek, Krieger y Densmore— estaba completa. La banda tomó su nombre de un libro de Aldous Huxley, The Doors of Perception, que a su vez, estaba tomada de un verso del poeta William Blake: "If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite." (Si las puertas de la percepción se abriesen, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito)
The Doors se diferenciaba de muchos grupos de rock de la época, porque no usaban un bajo en concierto. En vez de esto, Manzarek tocaba las melodías del bajo con la mano izquierda en el novedoso bajo Fender Rhodes, una nueva versión del ya conocido piano Fender Rhodes, y las melodías del teclado con la mano derecha. Sin embargo, el grupo usó algunos bajistas en sus grabaciones de estudio, entre ellos Jerry Scheff, quien tocó luego en más de 1,100 conciertos para Elvis Presley (de 1969 hasta su muerte en 1977), así como Doug Lubahn, Harvey Brooks, Kerry Magness, Lonnie Mack y Ray Neapolitan.
Muchas de las canciones originales se hicieron en conjunto. Morrison aportaba las letras y parte de la melodía, y el resto contribuía con el ritmo y el sentimiento de la canción. Mientras Morrison y Manzarek caminaban por la playa en California, vieron pasar a una mujer negra, y Morrison escribió la letra de "Hello, I Love You" esa misma noche, refiriéndose a ella como la "joya oscura" (dusky jewel). Algunos criticaron la canción por su parecido con el hit de The Kinks' 1965, "All Day and All of the Night," y el vocalista de este grupo, Ray Davies, demandó a The Doors.
Ya por el 1966, el grupo tocaba en el club The London Fog y pronto se cambió al prestigioso Whisky a Go Go. El 10 de agosto el presidente de Elektra Records, Jac Holzman, los vio debido a la insistencia del vocalista de Love, Arthur Lee, cuyo grupo también estaba en Elektra. Después de que Holzman, y el productor Paul A. Rothchild vieran dos actuaciones de la banda en el Whisky A Go Go, la primera algo irregular, pero la siguiente simplemente hipnotizante, The Doors firmó con Elektra el 18 de agosto, y empezó lo que sería una significativa relación entre la banda, Rothchild y el ingeniero Bruce Botnick. El 21 de agosto del mismo año, el club despidió a la banda por un incidente en una presentación de "The End", que vendría a anunciar toda la controversia que seguiría al grupo en sus años de historia. Morrison, gritó, en la parte "edípica" de la canción, "Mother? I want to fuck you".
MIEMBROS
Ya por el 1966, el grupo tocaba en el club The London Fog y pronto se cambió al prestigioso Whisky a Go Go. El 10 de agosto el presidente de Elektra Records, Jac Holzman, los vio debido a la insistencia del vocalista de Love, Arthur Lee, cuyo grupo también estaba en Elektra. Después de que Holzman, y el productor Paul A. Rothchild vieran dos actuaciones de la banda en el Whisky A Go Go, la primera algo irregular, pero la siguiente simplemente hipnotizante, The Doors firmó con Elektra el 18 de agosto, y empezó lo que sería una significativa relación entre la banda, Rothchild y el ingeniero Bruce Botnick. El 21 de agosto del mismo año, el club despidió a la banda por un incidente en una presentación de "The End", que vendría a anunciar toda la controversia que seguiría al grupo en sus años de historia. Morrison, gritó, en la parte "edípica" de la canción, "Mother? I want to fuck you".
MIEMBROS
- Jim Morrison: Voz
- Ray Manzareck: Teclados
- Robby Krieger: Guitarra
- John Densmore: Bateria
Albumes de Estudio
- The Doors 1967
- Strange Days 1967
- Waiting for the Sun 1968
- The Soft Parade 1969
- Morrison Hotel 1970
- L.A. Woman 1971
- Other Voices 1971
- Full Circle 1972
- An American Prayer 1978
MEJORES CANCIONES DE THE DOORS
10. Alabama Song
9. Roadhouse Blues
8. L.A. Women
7. Touch Me
6. Love Me Two Times
5. Riders On the Storm
4. Break On Through
3. People Are Strange
2. The End
1. Light My Fire
BLACK SABBATH
Formada en Birmingham, Inglaterra, en 1968, la banda Black Sabbath fue la pionera en el lanzamiento de las bases del naciente heavy metal que asalto al rock en los años 70 y 80 . La manera violenta de tocar, y sus letras sanguinárias, machistas, místicas y ante todo sinceras con la realidad del mundo se tomaron como modelo para numerosos grupos futuros. Su álbum homonimo de 1970 continua siendo uno de los mas innovativos e influyentes de la história del rock. Un cuarteto compuesto por Ozzy Osbourne (vocalista),Tony Iommi (guitarrista), Geezer Butler (bajista) y Bill Ward (baterista), inicialmente se llamo Polka Tulk y mas tarde Earth. Tomaron por asalto un circuito de pubs y clubes de su ciudad natal, con mucha energia, blues y rock. Compañeros de escuela y vecinos en Birmingham, o grupo ganó muchos seguidores en Inglaterra , en 1968 cambiaron su nombre a Black Sabbath. Un nuevo nombre que describia una imagen oscura, pesada y mística de la banda, y a su gusto por temas sobrenaturales y místicos. En 1969 entraron en estúdio para grabar su primer disco. EL álbum Black Sabbath llegó a losTop Ten britanicos, donde permanecio por tres meses e consiguió para la banda un grupo de fans fervorosos en ambos lados del atlantico. Un gran salto para la banda ocurrió con la grabaçión de Paranoid, un álbum pionero de heavy metal. Contando con los riffs cortantes de guitarra de Iommi, y las vocales siniestras de Ozzy y el ritmo de Butler y Ward, Paranoid alcanzó una mejor posicion en las paradas inglesas y llegó a una similar en América donde permaneció por mas de un año, ganando disco de platino.
Fue un acontecimiento para la naciente escena heavy inglesa. Master of Reality, el tercer álbum de Black Sabbath, fué lanzado en agosto de 1971. Entre otras canciones estaban algunas que se volvieron marcas registradas de la banda, como Children of the Grave o Sweet Leaf. Y Black Sabbath gravó un álbum llamado Vol. 4 en el início de 1972 en Record Plant, en Los Angeles. Sonando poderosas canciones como Supernaut y Under The Sun, el álbum revelaría un lado completamente desconocido de la banda, con temas melódicos, cuidadosamente escritos y tocados como Cornucopia y la instigante Laguna Sunrise, una composición instrumental que tornaria un lugar especial dentro del repertorio de la banda. Considerado uno de los clásicos del hard rock, el álbum de 1973, Sabbath, Bloody Sabbath, se ganó el visto bueno de la crítica. Temas como Killing Yourself to Live, Looking For Today cuyos titulos introducen a un grupo de letras más amplias y multifaceticas. Producido, compuesto y grabado por la banda, Sabbath Bloody Sabbath fué un punto alto en la larga carrera de la banda. Cuando Sabotage, sexto disco de Black Sabbath, fué lanzado en 1975, estaba mas que comprovada la calidad de la banda, y también era obvio a el talento para componer dentro del sencillo estilo que marcó a la banda (por algunos tildada de mediocre). We Sold Our Soul For Rock and Roll fue una demoledora producción, compuesta de 14 temas, todos clásicos del hard rock y el heavy metal. Tratase de una excelente muestra da carreira da banda, desde el primer álbum desde Sabotage. Technical Ecstasy es uno de los mas inventivos y originales álbums de estudio de Black Sabbath. Tres composiciones típicas de la banda, como Back Street Kids, Gypsy, Rock 'N' Roll Doctor y la principal del LP, Dirty Women. Siendo el octavo álbum de estúdio de una carrera que se extiende por casi tres décadas, el lanzamento de 1978, Never Say Die, trae algunas de las mas memorábles letras. Never Say Die captura toda a fuerza de la formación original. Fué el último álbum com Ozzy al frente de Sabbath. Incluiyó temas como Johnny Blade, Breakout, Shock Wave todas tocadas dentro del repertorio de la banda en vivo. En 1979 Ozzy Osbourne fue sustituído por Ronnie James Dio, um americano que habia participado en el grupo Elf y formó parte de la banda Raimbow de Ritchie Blackmore. Fué el primer cambio dentro de la formación del grupo en mas de una década. Heaven and Hell fué el primer álbum con el nuevo cantante. Todos los temas fueron escritos por la banda con la participación de Dio. Lanzado en 1981, el segundo álbum como vocalista de Dio y el primer álbum con el nuevo baterista Vinnie Appice, Mobb Rules presenta composiciones massacrantes como Turn Up The Night, Sliping Away y The Mob Rules.
En 1982 Black Sabbath lanzó un álbum al vivo, Live Evil, incluyendo todos los grandes hits de todos los álbums lanzados. Luego de la grabación Ronnie James Dio y Vinnie Appice dejaron la banda. Hubieron malos entendidos dentro de la banda porque Dio "saboteó" la mezcla del álbum para destacar su voz dentro de la grabación. El álbum Born Again, de 1983 trae como vocalista a Ian Gillan, originalmente miembro de Deep Purple.
En 1982 Black Sabbath lanzó un álbum al vivo, Live Evil, incluyendo todos los grandes hits de todos los álbums lanzados. Luego de la grabación Ronnie James Dio y Vinnie Appice dejaron la banda. Hubieron malos entendidos dentro de la banda porque Dio "saboteó" la mezcla del álbum para destacar su voz dentro de la grabación. El álbum Born Again, de 1983 trae como vocalista a Ian Gillan, originalmente miembro de Deep Purple.
El baterista original de Sabbath, Bill Ward, vuelve a la banda. Algunos de los temas destacados de este álbum son Trashed, Digital Bitch y Zero The Hero. Por un tiempo Bev Bevan, de la banda ELO substituyó a Ward. Después de que Bev Bevan y Ian Gillan dejaran a la banda. Bill Ward volvió y la banda experimentó con un nuevo vocalista, Dave Donato. Esta formación nunca grabó y Dave Donao fué despedido de la banda despues de una entrevista muy egocentrica. Trataron nuevamente de mantener la banda con el vocalista Ron Keel. Finalmente, con la salída de Geezer Butler, Sabbath se creyó acabado. Tres años despues, en 1986, Tony Iommi lanzó su álbum Seventh Star, anunciado como "Black Sabbath featuringTony Iommi". Deberia tratarse de un álbum solo de Iommi, pero en la grabación decidió usar el nombre de Black Sabbath. Glen Hughes, de Deep Purple, fué su vocalista. Durante la gira americana Glen Hughes salió, siendo substituído por Ray Gillen. En 1987 Black Sabbath lanzó su décimo cuarto álbum, The Eternal Idol, que tuvo grandes sucesos como Shining, Hard Life to Love, Born to Lose e Lost Forever.
La formación de la época era constituída de Tony Iommi, Tony Martin (vocals), Dave Spitz, Bob Daisley (bass),Bev Bevan (percusión) y Eric Singer (bateria, que mas tarde iria para o Kiss). Ray Gillen aparentemente grabó este álbum y salió antes de que fuese lanzado. Tony Martin regrabó las voces. En 1989, Black Sabbath lanzó Headless Cross, con grandes hits como Devil and Daughter, When Death Calls y Black Moon. La formación estaba compuesta por Tony Iommi, Tony Martin, Cozy Powell (bateria) e Laurance Cottle (bass). Laurance Cottle mas tarde fué substituído por Neil Murray. Em 1990, veintidos años despues de formado Black Sabbath, fué grabado TYR en un nuevo estilo iniciado en 1987 con The Eternal Idol. Algunos temas destacados de este álbum fueron Anno Mundi, Jerusalem, The Sabbath Stones y la balada Feels Good to Me. 1992 fué un momento histórico para Black Sabbath. Hubo una reunión de Ronnie James Dio, Geezer Butler, Vinnie Appice y Tony Iommi. el álbum Dehumanizer fué aguardado y aclamado por todos. Algunos de sus hits fueron Time Machine, TV Crimes, Master of Insanity y Sins Of The Father. Time Machine fué parte de la banda sonora del filme Wayne's World (Cuanto Mas Idiota Mejor). En 1994 Black Sabbath lanzó su décimo octavo álbum, Cross Purposes que entre outros hits incluiria temas como I Witness, Cross of Thorns, The Hand That Rocks The Cradle, Immaculate Deception y Psychophobia. La formación de la banda consistia de Tony Martin, Geezer Butler, Tony Iommi y Bobb Rondinelli (bateria). En 1995 o Black Sabbath lanzó Forbidden, como piezas destacablesestan The Illusion of Power, Get a Grip, Shaking Off The Chains y Sick and Tired. La banda estaba formada por Tony Martin, Neil Murray (bajo), Tony Iommi e Cozy Powell (bateria). Cozzy Powel dejó la banda en medio del tour americano y fué sustituído por Bobby Rondinelli. En ese mismo año un suceso histórico tuvo lugar; en un concierto de Ozzy aparecieron sobre el escenario, luego de largo rato de ruptura por problemas personales, los antiguos integrantes de la banda, Tommy, Bill, y Gezeer Butler volvieron a tocar junto con su primer cantante. Un reencuentro en verdad emocionante, y que esperanzo a la escena del metal con una posible reunificación de una de las bandas más subversivas, escandalosas, creadoras y sublimes en este genero. Cosas que se harian reales cuando en el año 98 se anuncio la grabacion de un nuevo album, con algunas versiones en vivo y algunos temas ineditos titulada "REUNION", realizada despues de una s cuantas presentaciones en el OZZFEST. El concierto inaugural de la gira llamada.
Black Sabbath se formó en Birmingham con Ozzy Osbourne (voz), Tony Iommi (guitarra), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería). Esta formación permaneció junta a lo largo de ocho años, con la excepción de un breve retiro de Osborne en 1977, sustituido por Dave Walker.
Después del despido de Osbourne en 1979 fue sustituido por el ex-cantante de Rainbow, Ronnie James Dio. Desde entonces la banda ha sufrido numerosas alineaciones con más de veinticinco antiguos miembros; incluyendo al ex-Deep Purple Ian Gillan y Glenn Hughes, los bajistas Neil Murray y Dave Spitz y los baterías Cozy Powell y Eric Singer. Tony Iommi es el único miembro que ha permanecido en la banda desde el inicio en 1968.
La formación de la época era constituída de Tony Iommi, Tony Martin (vocals), Dave Spitz, Bob Daisley (bass),Bev Bevan (percusión) y Eric Singer (bateria, que mas tarde iria para o Kiss). Ray Gillen aparentemente grabó este álbum y salió antes de que fuese lanzado. Tony Martin regrabó las voces. En 1989, Black Sabbath lanzó Headless Cross, con grandes hits como Devil and Daughter, When Death Calls y Black Moon. La formación estaba compuesta por Tony Iommi, Tony Martin, Cozy Powell (bateria) e Laurance Cottle (bass). Laurance Cottle mas tarde fué substituído por Neil Murray. Em 1990, veintidos años despues de formado Black Sabbath, fué grabado TYR en un nuevo estilo iniciado en 1987 con The Eternal Idol. Algunos temas destacados de este álbum fueron Anno Mundi, Jerusalem, The Sabbath Stones y la balada Feels Good to Me. 1992 fué un momento histórico para Black Sabbath. Hubo una reunión de Ronnie James Dio, Geezer Butler, Vinnie Appice y Tony Iommi. el álbum Dehumanizer fué aguardado y aclamado por todos. Algunos de sus hits fueron Time Machine, TV Crimes, Master of Insanity y Sins Of The Father. Time Machine fué parte de la banda sonora del filme Wayne's World (Cuanto Mas Idiota Mejor). En 1994 Black Sabbath lanzó su décimo octavo álbum, Cross Purposes que entre outros hits incluiria temas como I Witness, Cross of Thorns, The Hand That Rocks The Cradle, Immaculate Deception y Psychophobia. La formación de la banda consistia de Tony Martin, Geezer Butler, Tony Iommi y Bobb Rondinelli (bateria). En 1995 o Black Sabbath lanzó Forbidden, como piezas destacablesestan The Illusion of Power, Get a Grip, Shaking Off The Chains y Sick and Tired. La banda estaba formada por Tony Martin, Neil Murray (bajo), Tony Iommi e Cozy Powell (bateria). Cozzy Powel dejó la banda en medio del tour americano y fué sustituído por Bobby Rondinelli. En ese mismo año un suceso histórico tuvo lugar; en un concierto de Ozzy aparecieron sobre el escenario, luego de largo rato de ruptura por problemas personales, los antiguos integrantes de la banda, Tommy, Bill, y Gezeer Butler volvieron a tocar junto con su primer cantante. Un reencuentro en verdad emocionante, y que esperanzo a la escena del metal con una posible reunificación de una de las bandas más subversivas, escandalosas, creadoras y sublimes en este genero. Cosas que se harian reales cuando en el año 98 se anuncio la grabacion de un nuevo album, con algunas versiones en vivo y algunos temas ineditos titulada "REUNION", realizada despues de una s cuantas presentaciones en el OZZFEST. El concierto inaugural de la gira llamada.
MIEMBROS
Black Sabbath se formó en Birmingham con Ozzy Osbourne (voz), Tony Iommi (guitarra), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería). Esta formación permaneció junta a lo largo de ocho años, con la excepción de un breve retiro de Osborne en 1977, sustituido por Dave Walker.
Después del despido de Osbourne en 1979 fue sustituido por el ex-cantante de Rainbow, Ronnie James Dio. Desde entonces la banda ha sufrido numerosas alineaciones con más de veinticinco antiguos miembros; incluyendo al ex-Deep Purple Ian Gillan y Glenn Hughes, los bajistas Neil Murray y Dave Spitz y los baterías Cozy Powell y Eric Singer. Tony Iommi es el único miembro que ha permanecido en la banda desde el inicio en 1968.
Formación actual
- Ozzy Osbourne – Voz (1968–1977, 1978–1979, 1985, 1994, 1997–presente)
- Tony Iommi – Guitarra (1968–presente)
- Geezer Butler – Bajo eléctrico (1968–1980, 1980–1985, 1985, 1990–1994, 1997–presente)
Músicos de sesión
- Adam Wakeman – Teclado (2004–presente)
- Tommy Clufetos – Batería (2012–presente)
Albumes de Estudio
- 13 de febrero de 1970 Black Sabbath
- 18 de septiembre de 1970 Paranoid
- 21 de julio de 19 Master of Reality
- 25 de septiembre de 1972 Black Sabbath, Vol. 4
- 1 de diciembre de 1973 Sabbath Bloody Sabbath
- 28 de julio de 1975 Sabotage
- 25 de septiembre de 1976 Technical Ecstasy
- 28 de septiembre de 1978 Never Say Die!
- 25 de abril de 1980 Heaven and Hell
- 4 de noviembre de 1981 Mob Rules
- 7 de agosto de 1983 Born Again
- 28 de enero de 1986 Seventh Star
- 1 de noviembre de 1987 The Eternal Idol
- 1 de abril de 1989 Headless Cross
- 20 de agosto de 1990 Tyr
- 22 de junio de 1992 Dehumanizer
- 31 de enero de 1994 Cross Purposes
- 8 de junio de 1995 Forbidden
- 13 de junio de 2013 13
MEJORES CANCIONES DE BLACK SABBATH
9 - Orchid
8 - Changes
7 - Bloody Sabbath
6 - Children of the Grave
5 - N-I-B
4 - Heaven and Hell
3 - War Pigs
2 - Iron Man
1 - Paranoid
SCORPIONS
Scorpions hizo numerosas giras en Europa y llegaron a Japón en 1978 donde dejaron registrado el directo Tokyo Tapes, último disco que grabaría Uli Jon Roth en el grupo, que ya empezaba a tener diferencias musicales respecto a la línea que tomaban cara al futuro impulsada por el recién ingresado Herman Rarebell, nuevo batería que sería parte importante en un cambio de línea en Scorpions, que tendiendo a un sonido más comercial no dejaba nada satisfecho a Roth el cual siempre manifestó su disconformidad con el tema "He's a woman, she's a man" tanto en lo musical como en su letra. Roth Fue reemplazado por Mathias Jabs. Su primer concierto en America tuvo lugar en un gran festival en Cleveland, Ohio, Estados Unidos en 1979. La banda tuvo un progreso importante entre 1979 y 1983 con los álbumes Lovedrive, donde de nuevo reaparecía colaborando Michael Schenker, Animal magnetism y Blackout.
Sin embargo, fue el álbum de 1984 Love at First Sting el que finalmente aseguró a la banda una visibilidad comercial masiva entre la audiencia norteamericana. Reforzados con el éxito del single "Rock You Like A Hurricane" y sobre todo la balada " Still loving you ", Scorpions asumió un papel primordial en el mundo del heavy metal. La banda gozó de un alto grado de éxitos a lo largo de la década de los noventa gracias al álbum Crazy World y el single "Wind of Change." La canción habla de los cambios socio-políticos que entonces estaban ocurriendo en la Europa del Este al final de la Guerra Fría.
En 1992 el bajista Francis Buchholz abandonó la banda siendo reemplazado con Ralph Rieckerman, estrenándose en Agosto de 1993 con "Face The Heat". Tras ello salió un directo para respirar a clásicos otra vez "Live Bites" (1988-95), que incluía 3 temas nuevos también. Y en 1996 salió "Pure Instinct" que siguió por el mismo camino. A estas alturas el batería Herman Rarebell había abandonado también el grupo siendo sustituido por James Kottak.
Sin embargo, fue el álbum de 1984 Love at First Sting el que finalmente aseguró a la banda una visibilidad comercial masiva entre la audiencia norteamericana. Reforzados con el éxito del single "Rock You Like A Hurricane" y sobre todo la balada " Still loving you ", Scorpions asumió un papel primordial en el mundo del heavy metal. La banda gozó de un alto grado de éxitos a lo largo de la década de los noventa gracias al álbum Crazy World y el single "Wind of Change." La canción habla de los cambios socio-políticos que entonces estaban ocurriendo en la Europa del Este al final de la Guerra Fría.
En 1992 el bajista Francis Buchholz abandonó la banda siendo reemplazado con Ralph Rieckerman, estrenándose en Agosto de 1993 con "Face The Heat". Tras ello salió un directo para respirar a clásicos otra vez "Live Bites" (1988-95), que incluía 3 temas nuevos también. Y en 1996 salió "Pure Instinct" que siguió por el mismo camino. A estas alturas el batería Herman Rarebell había abandonado también el grupo siendo sustituido por James Kottak.
En el año 2000 la banda publicó un disco que combinaba el rock de Scorpions con una orquesta de música clásica. Bajo el título de "Berliner Philarmoniker - Moment Of Glory" se fusionaron las canciones clásicas de Scorpions con los sonidos de la Orquesta Filarmónica de Berlín, considerada una de las mejores del mundo. El tema "Moment Of Glory" presente en este disco fue el himno oficial de la Expo 2000 de Hannover, ciudad natal de Scorpions. Dentro de esta época de cierta decadencia éste es su trabajo más destacable.
En 2001 el grupo continuó experimentando y lanzó "Acoustica", un disco "unplugged" grabado en el marco del Convento do Beato, en Lisboa.
En 2004 lanzan el álbum "Unbreakable" que fue un intencionado retorno a su sonido más popular y exitoso de los ochenta. Sin embargo el disco Humanity hour I vuelve a evolucionar un paso más no quedándose estancado en el sonido que les dio tanta fama.
MIEMBROS
En 2001 el grupo continuó experimentando y lanzó "Acoustica", un disco "unplugged" grabado en el marco del Convento do Beato, en Lisboa.
En 2004 lanzan el álbum "Unbreakable" que fue un intencionado retorno a su sonido más popular y exitoso de los ochenta. Sin embargo el disco Humanity hour I vuelve a evolucionar un paso más no quedándose estancado en el sonido que les dio tanta fama.
MIEMBROS
- Klaus Meine: voz
- Rudolf Schenker: guitarra rítmica
- Matthias Jabs: guitarra líder
- James Kottak: batería
- Paweł Mąciwoda: bajo
Albumes de Estudio
- 1972 Lonesome Crow
- 1974 Fly to the Rainbow
- 1975 In Trance
- 1976 Virgin Killer
- 1977 Taken by Force
- 1978 Tokyo Tapes
- 1979 Lovedrive
- 1980 Animal Magnetism
- 1982 Blackout
- 1984 Love at First Sting
- 1985 World Wide Live
- 1988 Savage Amusement
- 1990 Crazy World
- 1993 Face the Heat
- 1995 Live Bites
- 1996 Pure Instinct
- 1999 Eye II Eye
- 2000 Moment of Glory
- 2001 Acoustica
- 2004 Unbreakable
- 2007 Humanity: Hour I
- 2010 Sting in the Tail
- 2011 Comeblack
- 2011 Live 2011: Get Your Sting and Blackout
MEJORES CANCIONES DE SCORPIONS
10. Rhythm Of Love
9. The Zoo
8. In Trance
7. Alien Nation
6. You And I
5. Send Me An Angel
4. No One Like You
3. Rock You Like A Hurricane
2. Wind Of Change
1. Still Loving You
BOB DYLAN
El nombre verdadero de Bob Dylan es Robert Allen Zimmerman, pero es no quiso usar su verdadero nombre porque así nadie le preguntaria sobre su pasado o de donde era.
Bob comenzó trabajando con músicos productores, en su mayoria de música country, luego empezó con ayuda de otros artistas country su propia carrera musical, al principio cantando canciones de otros, luego empezó a componer sus propias canciones, cantaba todas las noches en distinto locales pequeños y poco a poco se fue llenando de fans y seguidores, en el período de 1964 , 65, cambió su estilo country por un estilo más rockero, acompañado por varios músicos y usando una guitarra eléctrica en vez de una guitarra acústica, hubo un sector de la prensa y de fans que nos le agradó para nada ese cambio en su estilo musical, por otro lado continuó ganando nuevos fans.
En el año 1966 sufrió un accidente en moto que lo dejó en absoluto reposo en una casa alejada de la ciudad, Bob se dedicó en ese tiempo a atender a su familia y a sus hijos pequeños, reflexionó sobre los años anteriores, vió videos de sus conciertos y ruedas de prensa y quedó consternado por lo que vió, no se sentía bien consigo mismo, de ahí en adelante el cambió su actitud rebelde, por una más pasiva.
En el año 1966 sufrió un accidente en moto que lo dejó en absoluto reposo en una casa alejada de la ciudad, Bob se dedicó en ese tiempo a atender a su familia y a sus hijos pequeños, reflexionó sobre los años anteriores, vió videos de sus conciertos y ruedas de prensa y quedó consternado por lo que vió, no se sentía bien consigo mismo, de ahí en adelante el cambió su actitud rebelde, por una más pasiva.
Después de un largo periodo de reposo, volvió a componer canciones, y lanzó varios discos nuevos, algunos mejor aceptados que otros.
En los años 1980 se convierte al cristianismo, y compone musica cristiana
En la actualidad sigue sacando nuevos discos, y haciendo giras por el mundo, y a pesar de que en los años de su temprana carrera en la decada de los 60 no queria que se le involucrara en ningun movimiento hoy en día él está en la alianza contra el hambre en África,
En los años 1980 se convierte al cristianismo, y compone musica cristiana
En la actualidad sigue sacando nuevos discos, y haciendo giras por el mundo, y a pesar de que en los años de su temprana carrera en la decada de los 60 no queria que se le involucrara en ningun movimiento hoy en día él está en la alianza contra el hambre en África,
Albumes de Estudio
- 1962: Bob Dylan
- 1963: The Freewheelin' Bob Dylan
- 1964: The Times They Are a-Changin'
- 1964: Another Side of Bob Dylan
- 1965: Bringing It All Back Home
- 1965: Highway 61 Revisited
- 1966: Blonde on Blonde
- 1967: John Wesley Harding
- 1969: Nashville Skyline
- 1970: Self Portrait
- 1970: New Morning
- 1973: Pat Garrett & Billy the Kid
- 1973: Dylan
- 1974: Planet Waves
- 1974: Before the Flood
- 1975: Blood on the Tracks
- 1976: Desire
- 1976: Hard Rain
- 1978: Street Legal
- 1979: Slow Train Coming
- 1979: Bob Dylan at Budokan
- 1980: Saved
- 1981: Shot of Love
- 1983: Infidels
- 1984: Real Live
- 1985: Empire Burlesque
- 1986: Knocked Out Loaded
- 1988: Down in the Groove
- 1989: Dylan & The Dead
- 1989: Oh Mercy
- 1990: Under the Red Sky
- 1992: Good as I Been to You
- 1993: The 30th Anniversary Concert Celebration
- 1993: World Gone Wrong
- 1995: MTV Unplugged
- 1997: Time Out of Mind
- 2001: "Love and Theft"
- 2006: Modern Times
- 2009: Together Through Life
- 2009: Christmas in the Heart
- 2012: Tempest
MEJORES CANCIONES DE BOB DYLAN
10 “Every Grain of Sand”
9 “Visions of Johanna”
8 “Mr. Tambourine Man”
7 “It’s Alright, Ma (I’m Only Bleeding)”
6 “I Shall Be Released”
5 “All Along the Watchtower”
4 “Just Like a Woman”
3 “Tangled Up In Blue”
2 “A Hard Rain’s A-Gonna Fall”
1 “Like A Rolling Stone”
JANIS JOPLIN
Su vida fue intensa marcada por un talento innato que permitía la unión de emociones muy fuertes a través de una voz que era una mezcla de rock and roll, blues y soul.Su adolescencia estuvo marcada por la segregación racial y la experimentación de nuevas formas de expresión artística. Fue por eso que en el pueblo causaba conmoción su idealismo en la lucha por los derechos de los negros, además de las formas de artísticas no tradicionales en la plástica, la literatura y la música que intentaba desarrollar con sus compañeros de secundaria.
En parte por su talento natural, en parte por su afinidad con la causa negra, Janis empezó a interesarse por el blues y a copiar el estilo de Bessie Smith, Odetta y Leadbelly.Con respecto al soul, Janis se guió por Otis Redding, Tina Turner y Etta James.Sus primeras presentaciones fueron en pequeños cafés de los pueblos de Texas. Luego fue a ciudades más grandes como Village en Nueva York, para volver a Texas, concretamente a Austin en donde entraría al abierto mundo de la Universidad. Allí, le dio rienda suelta a su creatividad y experimentó con todo, al punto de casi morir por el abuso de las drogas y el alcohol.
Aunque en la universidad le estaba yendo bien, no estaba satisfecha. La música la seguía seduciendo, sobre todo por la asociación con las drogas. Por eso, cuando su amigo de la universidad, Chet Helms la llamó desde San Francisco para ofrecerle una audición en un grupo que se estaba formando, no lo pensó mucho. En esa ciudad encontró una vitalidad única que venía del movimiento hippie que empezaba a tomar forma. Fue allí cuando empezó a cantar con un oscuro grupo llamado "Big Brother and the Holding Company". El grupo estaba formado por los guitarristas James Gurley y Sam Andrew, el bajista Peter Albin y el baterista David Getz.
La banda tocaba por toda la costa californiana, pero particularmente en la bahía de San Francisco. Cada vez provocaban mayor entusiasmo por su estilo único de rock psicodélico. En un inicio firmaron con el sello Mainstream que en realidad no pudo hacer mayor promoción, aunque si logró un LP y dos sencillos: "Blindman" y "All Is Loneliness".
Aunque en la universidad le estaba yendo bien, no estaba satisfecha. La música la seguía seduciendo, sobre todo por la asociación con las drogas. Por eso, cuando su amigo de la universidad, Chet Helms la llamó desde San Francisco para ofrecerle una audición en un grupo que se estaba formando, no lo pensó mucho. En esa ciudad encontró una vitalidad única que venía del movimiento hippie que empezaba a tomar forma. Fue allí cuando empezó a cantar con un oscuro grupo llamado "Big Brother and the Holding Company". El grupo estaba formado por los guitarristas James Gurley y Sam Andrew, el bajista Peter Albin y el baterista David Getz.
La banda tocaba por toda la costa californiana, pero particularmente en la bahía de San Francisco. Cada vez provocaban mayor entusiasmo por su estilo único de rock psicodélico. En un inicio firmaron con el sello Mainstream que en realidad no pudo hacer mayor promoción, aunque si logró un LP y dos sencillos: "Blindman" y "All Is Loneliness".
Durante el verano de 1967, el Verano del Amor, Big Brother se presentó en el Festival Internacional de Monterrey, en donde tocaron los grupos más fuertes de la época. La presentación sacó a Janis del anonimato cuando interpretó "Ball and Chain" de Big Mama Thorton.
El grupo tocaba para audiencia más grandes, cobraban más y los afiches decían "Janis Joplin con la Big Brother and the Holding Company". De la misma manera, había más presión, aumentó el ingreso y se permitieron usar drogas más caras para aumentar la estimulación. Esta indulgencia con las drogas empezó a afectar la capacidad de Janis en el escenario, además de sus relaciones de trabajo y personales. Por eso en la Navidad de 1968 el grupo tocó junto por última vez.
Janis ha sido llamada "la cantante más importante de blues blanco urbano y soul de su generación". La Intensidad de su voz fue la unión perfecta con Big Brother por la mezcla de blues, folk y rock psicodélico.
Aunque la permanencia de Janis con el grupo fue corta (1966-1968) dio lugar a dos discos, uno de los cuales (Cheap Thrills) es considerado uno de los picos de la música. Más aún, la actuación en el Festival de Monterrey de 1967 es uno de los picos altos del documental de ese evento y una de las mejores actuaciones en la historia del rock.
Al mismo tiempo se acentuó el estilo de vida en el que todo se vale, acentuando el abuso de las drogas y alcohol pero también la creatividad y la evasión del sentimiento de decadencia. Reconociendo que su vida no estaba bien, Janis dejó las drogas y formó una tercera banda llamada "Full Tilt Boogie Band", que le permitió evolucionar a un sonido más profesional y popular al que identificó como el estilo de "blues blanco" que quería alcanzar.
Sin embargo, Janis nunca estaba satisfecha con su música, por eso en medio de la grabación del que sería su último disco decidió probar la heroína nuevamente. Consiguió una dosis más pura de lo común y eso la llevó a una sobredosis en un Motel de los Ángeles a los 27 años de edad.
El grupo tocaba para audiencia más grandes, cobraban más y los afiches decían "Janis Joplin con la Big Brother and the Holding Company". De la misma manera, había más presión, aumentó el ingreso y se permitieron usar drogas más caras para aumentar la estimulación. Esta indulgencia con las drogas empezó a afectar la capacidad de Janis en el escenario, además de sus relaciones de trabajo y personales. Por eso en la Navidad de 1968 el grupo tocó junto por última vez.
Janis ha sido llamada "la cantante más importante de blues blanco urbano y soul de su generación". La Intensidad de su voz fue la unión perfecta con Big Brother por la mezcla de blues, folk y rock psicodélico.
Aunque la permanencia de Janis con el grupo fue corta (1966-1968) dio lugar a dos discos, uno de los cuales (Cheap Thrills) es considerado uno de los picos de la música. Más aún, la actuación en el Festival de Monterrey de 1967 es uno de los picos altos del documental de ese evento y una de las mejores actuaciones en la historia del rock.
Al mismo tiempo se acentuó el estilo de vida en el que todo se vale, acentuando el abuso de las drogas y alcohol pero también la creatividad y la evasión del sentimiento de decadencia. Reconociendo que su vida no estaba bien, Janis dejó las drogas y formó una tercera banda llamada "Full Tilt Boogie Band", que le permitió evolucionar a un sonido más profesional y popular al que identificó como el estilo de "blues blanco" que quería alcanzar.
Sin embargo, Janis nunca estaba satisfecha con su música, por eso en medio de la grabación del que sería su último disco decidió probar la heroína nuevamente. Consiguió una dosis más pura de lo común y eso la llevó a una sobredosis en un Motel de los Ángeles a los 27 años de edad.
Albumes de Estudio
- Big Brother & the Holding Company 1967
- Big Brother & the Holding Company 1967?
- Big Brother & the Holding Company 1967, CD 1999
- Cheap Thrills 1968
- Cheap Thrills 1968, CD 1999
- Live at Winterland '68 1998
- I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama! 1969
- I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama! 1969, CD 199
10. Try (just a little bit harder)
9. Ball and Chain
8. To love somebody
7. Mercedes benz
6. Me and Bobby McGee
5. Kozmic blues
4. Maybe
3. Summertime
2. Cry baby
1. Piece of my heart
ERIC CLAPTON
.jpg)
También ha tocado con Derek and the Dominos y Blind Faith y colaboró con The Beatles en la grabación del álbum blanco como solista en la canción "While My Guitar Gently Weeps". Su guitarra eléctrica favorita y más utilizada es Fender Stratocaster llamada Blackie que el mismo construyo de diferentes partes de stratocasters, y también tiene preferencia por Fender en otros tipos de guitarras.
En sus últimos trabajos rinde tributo a Robert Johnson, bluesman al que siempre ha considerado como la mayor influencia musical en su carrera.
En 1964 su nombre empezó a sonar como miembro de The Yardbirds, un grupo de rock and roll con influencias del blues. Ahí, Clapton rápidamente se convirtió en uno de los guitarristas más populares en la escena musical inglesa. Sin embargo, el músico seguía fuertemente comprometido con el blues, por lo que renegaba del nuevo rumbo pop de The Yardbirds, en parte porque "For your love" fue escrita por el autor pop Graham Gouldman, que había escrito hits para el grupo adolescente Herman's Hermits y el grupo pop The Hollies. Varias veces se negó a tocar esta canción y renunció al grupo tan pronto como el sencillo fue grabado.
Después de varios meses de práctica, Clapton se unió a John Mayall & the Bluesbreakers. Su ejecución tuvo una gran influencia en el primer álbum de este grupo, además de inspirar una efímera ola de grafitis que lo deificaban con el eslogan "Clapton is God" (Clapton es Dios).
En sus últimos trabajos rinde tributo a Robert Johnson, bluesman al que siempre ha considerado como la mayor influencia musical en su carrera.
En 1964 su nombre empezó a sonar como miembro de The Yardbirds, un grupo de rock and roll con influencias del blues. Ahí, Clapton rápidamente se convirtió en uno de los guitarristas más populares en la escena musical inglesa. Sin embargo, el músico seguía fuertemente comprometido con el blues, por lo que renegaba del nuevo rumbo pop de The Yardbirds, en parte porque "For your love" fue escrita por el autor pop Graham Gouldman, que había escrito hits para el grupo adolescente Herman's Hermits y el grupo pop The Hollies. Varias veces se negó a tocar esta canción y renunció al grupo tan pronto como el sencillo fue grabado.
Después de varios meses de práctica, Clapton se unió a John Mayall & the Bluesbreakers. Su ejecución tuvo una gran influencia en el primer álbum de este grupo, además de inspirar una efímera ola de grafitis que lo deificaban con el eslogan "Clapton is God" (Clapton es Dios).
En 1966 Clapton forma lo que es reconocido como el primer supergrupo de la historia del rock: Cream, con el bajista Jack Bruce y el baterista Ginger Baker. Aunque sólo permanecieron juntos un par de años, su influencia fue enorme, con temas tan conocidos como Sunshine of your Love, White Room y el clásico Crossroads. Las presentaciones en vivo de Cream, con sus largas improvisaciones, sirvieron como modelo para muchos grupos tanto de hard rock como de rock progresivo en los 60's y 70's.
Tras la separación de Cream, Clapton formó otro supergrupo, Blind Faith, nuevamente con Baker y con el músico Steve Winwood y el bajista de Family, Rick Greich, en el que sólo editó un disco antes de su separación, menos de un año después de su formación.
Después de Blind Faith, Clapton se enfocó principalmente en su carrera solista, aunque se acabó integrando a otros proyectos fugaces como Delaney & Bonnie o Derek and the Dominos. Con este último produce uno de sus más grandes éxitos, Layla (dedicada a Patty Boyd, entonces esposa de su amigo George Harrison).
Eric Clapton sigue siendo a sus 63 años uno de los músicos más importantes de blues y rock , y una leyenda viva de la guitarra.
Tras la separación de Cream, Clapton formó otro supergrupo, Blind Faith, nuevamente con Baker y con el músico Steve Winwood y el bajista de Family, Rick Greich, en el que sólo editó un disco antes de su separación, menos de un año después de su formación.
Después de Blind Faith, Clapton se enfocó principalmente en su carrera solista, aunque se acabó integrando a otros proyectos fugaces como Delaney & Bonnie o Derek and the Dominos. Con este último produce uno de sus más grandes éxitos, Layla (dedicada a Patty Boyd, entonces esposa de su amigo George Harrison).
Eric Clapton sigue siendo a sus 63 años uno de los músicos más importantes de blues y rock , y una leyenda viva de la guitarra.
Albumes de Estudio
- 1970 Eric Clapton
- 1974 461 Ocean Boulevard
- 1975 There's One in Every Crowd
- 1976 No Reason to Cry
- 1977 Slowhand
- 1978 Backless
- 1981 Another Ticket
- 1983 Money and Cigarettes
- 1985 Behind the Sun
- 1986 August
- 1989 Journeyman
- 1994 From the Cradle
- 1998 Pilgrim
- 2000 Riding with the King (con B. B. King)
- 2001 Reptile
- 2004 Me and Mr. Johnson
- 2004 Sessions For Robert J
- 2005 Back Home
- 2006 The Road to Escondido (con J.J. Cale)
- 2010 Clapton
- 2013 Old Sock
MEJORES CANCIONES DE CLAPTON
10. Good night Irene
9. I shot the sheriff
8. Bad Love
7. Double Trouble
6. Change the world
5. Wonderful Tonight
4. My Father's Eyes
3. Cocaine
2. Layla
1. Tears in heaven
JIMI HENDRIX
Seguramente el mejor guitarrista de la historia de la música, con un talento excepcional para tocar la guitarra, no era lo único que sabía hacer sobre un escenario, gran músico y buen cantante.
Ha sido una de las grandes influencias, un innovador del instrumento de las seis cuerdas,John Allen Hendrix (al que más tarde le cambiaron el nombre por el de James Marshall) nació el 27 de noviembre de 1942, en Seattle.
No era un gran amante de los estudios y para ganarse la vida decidió enrolarse en el ejército americano como paracaidista, aunque tampoco tuvo mucha fortuna ya que tras romperse un tobillo abandonó su corta vida militar.
Su destino final lo encontró en la música, pasión familiar a la que le había llevado su padre Al. Con su guitarra, Jimi imitaba a los grandes nombres del blues americano, a los que admiraba profundamente, especialmente a B.B. King.
En su efímero paso por el ejército había conocido a otro joven aficionado al blues llamado Billy Cox, un bajista con el que formaría el dúo de R&B The King Casuals.
Al mismo tiempo, sus habilidades guitarreras serían contratadas como músico de sesión y de acompañamiento por gente tan importante en la época dentro de la música negra como Little Richard, King Curtis, Sam Cooke o los Isley Brothers. Estos trabajos le ayudarían a conocer el negocio desde dentro y a desarrollar sus maneras de expresión sonora.
Hendrix, sin embargo, no se acababa de encontrar a gusto como simple pieza de apoyo, quería dirigir su propia carrera para así poder desplegar toda la creatividad que llevaba dentro.
En 1965 se va a Nueva York y comienza a tocar en los clubs. Se une a los grupos de John Hammon Jr. y Curtis Knight, sin conseguir liderar una banda propia.
En 1966 cuando forma los Blue Flames (con Randy California) y se rebautizó como Jimmy James cuando logra conformar por fin un grupo que comenzaría a actuar regularmente por los locales neoyorquinos.
Una noche que actuaban en uno de ellos, el "Café Wha,", los Jimmy James & The Blue Flames fueron vistos por el ex bajista del grupo británico de R&B The Animals, Chas Chandler.
Chandler se dió cuenta del potencial de aquel guitarrista zurdo de raza negra y nada más terminar el concierto, se le acercó y le rogó que le acompañase a las Islas Británicas, en donde intentaría lanzarlo como solista. Jimi aceptó.
Chandler junto a Mike Jeffries (Jeffery) se convirtieron en sus representantes y después de buscarle tras varias audiciones a dos valiosos acompañantes como Noel Redding (al bajo) yMitch Mitchell (a la batería) decidieron denominar al trío liderado por Hendrix como la Jimi Hendrix Experience, terceto que debutó en directo en octubre de 1966 en la ciudad francesa de Evereux.
Poco después fue presentado en Londres ante una selectiva audiencia, nada más y nada menos que gente como Eric Clapton, Brian Jones o Pete Townshend asistieron al concierto de la Experience, que seguramente fliparían con la explosión guitarrera de la Fender Stratocaster de Hendrix.
A finales de año, la Experience publicaba en Polydor su primer y exitoso sencillo, la versión más célebre del tema Hey Joe (número 6 en listas) que tendría una espléndida continuación con Purple Haze (número 3) y The Wind Cries Mary (número 6), composiciones propias que también triunfaron en ventas.
Si en el aspecto comercial sus vinilos alcanzaron la máxima nota, sería con sus ardientes conciertos con los cuales Jimi Hendrix pasaría a la historia.
Su destino final lo encontró en la música, pasión familiar a la que le había llevado su padre Al. Con su guitarra, Jimi imitaba a los grandes nombres del blues americano, a los que admiraba profundamente, especialmente a B.B. King.
En su efímero paso por el ejército había conocido a otro joven aficionado al blues llamado Billy Cox, un bajista con el que formaría el dúo de R&B The King Casuals.
Al mismo tiempo, sus habilidades guitarreras serían contratadas como músico de sesión y de acompañamiento por gente tan importante en la época dentro de la música negra como Little Richard, King Curtis, Sam Cooke o los Isley Brothers. Estos trabajos le ayudarían a conocer el negocio desde dentro y a desarrollar sus maneras de expresión sonora.
Hendrix, sin embargo, no se acababa de encontrar a gusto como simple pieza de apoyo, quería dirigir su propia carrera para así poder desplegar toda la creatividad que llevaba dentro.
En 1965 se va a Nueva York y comienza a tocar en los clubs. Se une a los grupos de John Hammon Jr. y Curtis Knight, sin conseguir liderar una banda propia.
En 1966 cuando forma los Blue Flames (con Randy California) y se rebautizó como Jimmy James cuando logra conformar por fin un grupo que comenzaría a actuar regularmente por los locales neoyorquinos.
Una noche que actuaban en uno de ellos, el "Café Wha,", los Jimmy James & The Blue Flames fueron vistos por el ex bajista del grupo británico de R&B The Animals, Chas Chandler.
Chandler se dió cuenta del potencial de aquel guitarrista zurdo de raza negra y nada más terminar el concierto, se le acercó y le rogó que le acompañase a las Islas Británicas, en donde intentaría lanzarlo como solista. Jimi aceptó.
Chandler junto a Mike Jeffries (Jeffery) se convirtieron en sus representantes y después de buscarle tras varias audiciones a dos valiosos acompañantes como Noel Redding (al bajo) yMitch Mitchell (a la batería) decidieron denominar al trío liderado por Hendrix como la Jimi Hendrix Experience, terceto que debutó en directo en octubre de 1966 en la ciudad francesa de Evereux.
Poco después fue presentado en Londres ante una selectiva audiencia, nada más y nada menos que gente como Eric Clapton, Brian Jones o Pete Townshend asistieron al concierto de la Experience, que seguramente fliparían con la explosión guitarrera de la Fender Stratocaster de Hendrix.
A finales de año, la Experience publicaba en Polydor su primer y exitoso sencillo, la versión más célebre del tema Hey Joe (número 6 en listas) que tendría una espléndida continuación con Purple Haze (número 3) y The Wind Cries Mary (número 6), composiciones propias que también triunfaron en ventas.
Si en el aspecto comercial sus vinilos alcanzaron la máxima nota, sería con sus ardientes conciertos con los cuales Jimi Hendrix pasaría a la historia.
Su primer disco llega al número 2 en el chart británico, Are You Experienced? (1967) es sin duda, uno de los mejores discos debut de un artista rock en toda la historia del género.
También conseguiría triunfar en su país natal a raíz de su aparición en el Festival de Monterey, en 1967 (aparición recomendada a los organizadores por Paul McCartney).
Tras grabar su cuarto sencillo, Burning of the midnight lamp que no ofreció los resultados comerciales de los anteriores aunque entró entre los 20 más vendidos, la Jimi Hendrix Experience presentó su segundo trabajo en disco grande, Axis: Bols As Love (1967), otro buen disco aparecido a finales del mismo año con temas como If six was nine, Little wing oBold as love y colaboraciones vocales de gente como Graham Nash o Roy Wood.
Después llega el doble Electric Ladyland (1968), otros de los grandes discos de la historia. Las relaciones entre Noel Redding y Hendrix se hicieron insoportables culminando las disputas con la marcha del bajista del grupo. El disco contiene temas como Voodo Chile (A Slight Return), Rainy Day, Dream Away o la versión de Bob Dylan All Along The Watchtower y que contaba con apoyos de grandes nombres de la música británica como Steve Winwood al órgano o Chris Wood a la flauta, además de, entre otros, el americano Al Kooper al piano.
La vida de Hendrix a finales del 68 y todo el 69 se tornó muy inestable. Su terrible adicción a las drogas y su inestabilidad emocional provocaban un comportamiento vacilante. Problemas legales, arrestos en Suecia y Canadá y conflictos personales iban acrecentando estas contrariedades.
Chandler abandonó su representación y Jimi dejó aparcado el proyecto de la Experience para fundar Band of Gypsies, un nuevo formato trío completado por su antiguo compañero Billy Cox al bajo y el batería Buddy Miles.
También conseguiría triunfar en su país natal a raíz de su aparición en el Festival de Monterey, en 1967 (aparición recomendada a los organizadores por Paul McCartney).
Tras grabar su cuarto sencillo, Burning of the midnight lamp que no ofreció los resultados comerciales de los anteriores aunque entró entre los 20 más vendidos, la Jimi Hendrix Experience presentó su segundo trabajo en disco grande, Axis: Bols As Love (1967), otro buen disco aparecido a finales del mismo año con temas como If six was nine, Little wing oBold as love y colaboraciones vocales de gente como Graham Nash o Roy Wood.
Después llega el doble Electric Ladyland (1968), otros de los grandes discos de la historia. Las relaciones entre Noel Redding y Hendrix se hicieron insoportables culminando las disputas con la marcha del bajista del grupo. El disco contiene temas como Voodo Chile (A Slight Return), Rainy Day, Dream Away o la versión de Bob Dylan All Along The Watchtower y que contaba con apoyos de grandes nombres de la música británica como Steve Winwood al órgano o Chris Wood a la flauta, además de, entre otros, el americano Al Kooper al piano.
La vida de Hendrix a finales del 68 y todo el 69 se tornó muy inestable. Su terrible adicción a las drogas y su inestabilidad emocional provocaban un comportamiento vacilante. Problemas legales, arrestos en Suecia y Canadá y conflictos personales iban acrecentando estas contrariedades.
Chandler abandonó su representación y Jimi dejó aparcado el proyecto de la Experience para fundar Band of Gypsies, un nuevo formato trío completado por su antiguo compañero Billy Cox al bajo y el batería Buddy Miles.
Su actuación en Woodstock (en la cual estarían Cox, Mitchell, Larry Lee, Jerry Vélez y Juma Sultan) volvería a resultar muy llamativa, en especial debido a su interpretación del Star-Spangled Banner.
Los tres grabarían el Lp en directo Band of Gypsies (1970), que recogía su actuación en el Fillmore East de Nueva York.
El estilo funky de la batería de Miles no convencía a Hendrix y éste rompería la formación abandonando a la banda en pleno concierto en el Madison Square Garden.
Un desorientado Jimi recuperaba al batería Mitch Mitchell y proyectaba la grabación de un nuevo album doble, Firts rays of new rising sun, disco que nunca vería publicado en vida.
Con Cox y Mitchell seguiría actuando, incluso en el famoso Festival de la Isla de Wight en agosto de 1970.
Un mes más tarde, su compañera sentimenal, Monika Danneman, lo encontraría muerto en su habitación londinense debido a un ahogamiento con su propio vómito provocado por la ingesta de drogas. Era el 18 de septiembre de 1970 y el genio de la guitarra contaba solamente con 27 años de edad.
Los tres grabarían el Lp en directo Band of Gypsies (1970), que recogía su actuación en el Fillmore East de Nueva York.
El estilo funky de la batería de Miles no convencía a Hendrix y éste rompería la formación abandonando a la banda en pleno concierto en el Madison Square Garden.
Un desorientado Jimi recuperaba al batería Mitch Mitchell y proyectaba la grabación de un nuevo album doble, Firts rays of new rising sun, disco que nunca vería publicado en vida.
Con Cox y Mitchell seguiría actuando, incluso en el famoso Festival de la Isla de Wight en agosto de 1970.
Un mes más tarde, su compañera sentimenal, Monika Danneman, lo encontraría muerto en su habitación londinense debido a un ahogamiento con su propio vómito provocado por la ingesta de drogas. Era el 18 de septiembre de 1970 y el genio de la guitarra contaba solamente con 27 años de edad.
Albumes de Estudio
- (1967) Are You Experienced?
- (1967) Axis: Bold as Love
- (1968) Electric Ladyland
- 1970: Band of Gypsys (en vivo).
- 1997: First Rays of the New Rising Sun (disco póstumo).
- 2010: Valleys Of Neptune (disco póstumo)
- 2013: People, Hell & Angels (disco póstumo)
MEJORES CANCIONES DE HENDRIX
9. Third stone from the sun
8. Red house
7. Fire
6. House of rising sun
5. Crosstown traffic
4. American woman
3. All along the watchtower
2. Hey Joe
1. Voodoo child
RORY GALLAGHER
Rory Gallagher (2 de marzo de 1948 - 14 de junio de 1995) fue un músico irlandés de blues, rhythm and blues y rock. Nació en Ballyshannon, en el condado irlandés de Donegal, pero se crio y creció en Cork. Es habitualmente presentado como uno de los más influyentes músicos irlandeses y guitarrista de blues de todos los tiempos.
Después de dejar Taste, su interesante grupo en los años 60, el irlandés Rory Gallagher, nacido el 2 de marzo de 1949 en Ballyshannon, prosiguió su senda maestra dentro del blues-rock interpretando sus sonidos con estilo y agitación emocional, deudor de los sonidos más negros del estilo, con especial ascendencia de nombres como Junior Wells, Muddy Waters, Albert King o Son House.
Su debut como solista se produjo con “Rory Gallagher” (1971), LP editado en Polydor con piezas como “Can’t believe it’s true”, “Just smile”, “For the last time” o “I’m not surprised”.
Su debut como solista se produjo con “Rory Gallagher” (1971), LP editado en Polydor con piezas como “Can’t believe it’s true”, “Just smile”, “For the last time” o “I’m not surprised”.
El mismo año publicó también “Deuce” (1971), uno de sus mejores discos que mostraba su habilidad en la guitarra en temas como “Crest of a wave” o “Used to be”.
El trabajo en vivo “Live in Europe” (1972) propició que su nombre se expandiera entre los aficionados al blues-rock de primer nivel.
Su prolífica capacidad creativa engordó con notorios trabajos los siguientes años. Así, “Blueprint” (1973) y “Tatto” (1973) son dos de sus mejores LPs, y el directo “Iris Tour” (1974) volvía a poner de manifiesto que Rory era uno de los subestimados dioses de la guitarra, a la altura de cualquiera de mayor renombre populachero.
Los años 70 terminaron para Gallagher con “Against the grain” (1975), “Calling card” (1976), uno de sus discos más celebrados con producción de Roger Glover (el bajista de Deep Purple), “Photo-Finish” (1978) y “Top Priority” (1979).
El trabajo en vivo “Live in Europe” (1972) propició que su nombre se expandiera entre los aficionados al blues-rock de primer nivel.
Su prolífica capacidad creativa engordó con notorios trabajos los siguientes años. Así, “Blueprint” (1973) y “Tatto” (1973) son dos de sus mejores LPs, y el directo “Iris Tour” (1974) volvía a poner de manifiesto que Rory era uno de los subestimados dioses de la guitarra, a la altura de cualquiera de mayor renombre populachero.
Los años 70 terminaron para Gallagher con “Against the grain” (1975), “Calling card” (1976), uno de sus discos más celebrados con producción de Roger Glover (el bajista de Deep Purple), “Photo-Finish” (1978) y “Top Priority” (1979).
Gloriosas interpretaciones en vivo, apreciables en “Stage Struck” (1980) y el disco en estudio “Jinx” (1982), fueron los últimos LPs presentados por el músico irlandés hasta que tras un largo lapsus de tiempo regresó a finales del decenio con Defender” (1988).
“Fresh Evidence” (1990), editado en su propio sello Capo, puso punto y final a una serie de memorables trabajos para los amantes del blues, ya que el 14 de junio del año 1995 Rory falleció tras un fallido trasplante de hígado. Tenía 46 años
Albumes de Estudio
- Taste (Polydor, 1969).
- On The Boards (Polydor, 1970).
- Live Taste (Polydor, 1971).
- Live at the Isle of Wight (Polydor, 1972).
- In the Beginning, an early Taste of Rory Gallagher (Emerald, 1974). Disco no autorizado. Se editó en la discográfica propiedad de Phil Solomon, amigo de Eddie Kennedy. El material pertenece a la época en la que tocaban Eric Kitteringham y Norman Damery. Editado también como Taste First (BASF, 1974)) o Take It Easy Baby (Springboard,1976)
MEJORES CANCIONES DE RORY GALLAGHER
9 - McAvoy Boogie
8 - Bullfrog Blues
7 - Going to my Hometown
6 - What's going on
5 - Too Much Alcohol
4 - Railway and Gun
3 - Tattoo'd Lady
2 - Shadow Play
1 - Blister of the Moon
No hay comentarios:
Publicar un comentario